CONSTANCE HURLÉ

Performance escénica: acto inaugural

Vísceras poéticas

Artista: Constance Hurlé

#Poesía #Performance #AcciónEscénica #AcciónPictórica #Feminismo

Sinopsis

Se trata de una pieza de formato corto en la que la poesía se vale del lenguaje del cuerpo para desarrollar una performance donde se cuestiona la autopercepción del individuo “mujer” reconstruida desde y a causa del ojo externo. Una lucha de dentro hacia fuera, un diálogo de deconstrucción, destrucción, aceptación y rebeldía. Un intento de aceptar la pregunta sin respuesta “¿qué es y cómo es ‘mujer’?” 

Se toman como referentes, a modo de homenaje, la artista Yolanda Domínguez y el colectivo W.I.T.C.H.

La compañía: Constance Hurlé

“Hurlé en honor a mi abuela, Mimí Hurlé, para reivindicar a esas artistas silenciadas de lo cotidiano que son las mujeres de mi familia materna; mujeres fuertes y creativas a las que nunca se les dio el permiso ni el espacio para expresarse”, Constance Hurlé

Constance Hurlé es una compañía de artes vivas de carácter multidisciplinario en la que el eje es el diálogo entre la palabra, el cuerpo y la música. Surge alrededor de la figura de la artista galaico-astur Constance Hurlé, adicta a la expresividad, en el sentido más amplio del término, que comienza a sacar adelante producciones propias en su época universitaria. Desde 2010 da forma escénica a sus creaciones literarias a base de micropiezas, monólogos o performances.

Con el paso del tiempo afianzó su lenguaje escénico donde tanto la poesía como la música adquirieron cada vez más importancia, hasta convertirse en la marca diferenciadora de esta compañía de artes vivas.

Sus piezas caminan en el hilo de la performance, buscan una identidad genuina y huyen de las categorías tradicionales de teatro, danza o poesía.

La artista desarrolla tres líneas principales de trabajo:

• La poesía de carácter performativo
• Los conciertos poéticos: dúo poético-musical con Rui Grenha
• Las piezas de teatro contemporáneo: en su mayoría son piezas de formato micro y con interacción con la danza

MERY PAIS

Santiago de Compostela, 1990

Graduada en Bellas Artes por el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán, de la Universidad Abdelmalek Essaadi de Marruecos, con un Máster en Creación e Investigación en Arte Contemporáneo por la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra (UVigo), doctoranda en Estudios Feministas y de Género en el Instituto de Investigaciones Feministas y de Género de la Universidad Complutense de Madrid (Instifem).

Su trabajo parte de su experiencia vital: residir en el extranjero marca su trayectoria artística, en la cual analiza la “imagen del otro”, la visión entre individuos de culturas diferentes, y utiliza distintos recursos para cuestionar y reflexionar sobre los estereotipos de forma gráfica. Pone de manifiesto el racismo entre culturas, la falta de entendimiento y genera un espacio en el que mezclar ambos discursos enfrentados, el arte como punto de partida o como estrategia para fomentar una nueva experiencia de acercamiento entre individuos. Le preocupa la situación que desempeña la mujer en ambas sociedades y temas como la migración o la problemática de la islamofobia, entre otros.

Ha participado en diferentes exposiciones, tanto individuales como colectivas, en España y el extranjero: Marruecos, Cuba, Francia, Croacia, Lituania etc.

MAR RAMÓN

Valencia, 1993. Afincada en Galicia desde niña

Mar Ramón es una artista plástica e investigadora graduada y doctorada por la Universidad de Vigo que cursó un año en la de Barcelona.

Con una investigación que se centra en la vinculación que se genera entre el cuerpo y los objetos que lo rodean, está realizando un trabajo postdoctoral en la Parsons School of Design gracias a una beca de ampliación de estudios artísticos Fulbright.

Ha expuesto en museos como el MARCO en Vigo o el CGAC en Santiago de Compostela y realizado exposiciones individuales en espacios como la galería Noreste, el Centro Cultural Marcos Valcárcel o la Zona C. También ha participado en ferias como ARCO o Artesantander.

Actualmente reside entre Galicia y Estados Unidos.

AMAYA GONZÁLEZ REYES

Sanxenxo, 1979

Amaya González Reyes es doctora en Estudios Literarios y licenciada en Bellas Artes en las especialidades de Escultura y Pintura por la Universidad de Vigo. 

En la actualidad trabaja como docente y artista plástica y visual.

Realiza estancias de trabajo y formación en Arteleku (Donostia), el Museo Serralves (Oporto) y el Laboral Escena (Gijón) dentro del programa “Mugatxoan”, y asiste también a diversos talleres con artistas como Gabriel Orozco (Fundación Botín, Santander), Isidoro Valcárcel Medina (Facultad de Bellas Artes, Pontevedra) o David Lamelas (MARCO, Vigo).

Su obra fue merecedora de la beca de creación artística de la Fundación Laxeiro de Vigo, la beca de producción del programa “Mugatxoan” y la ayuda a la producción artística del Centro Cultural Montehermoso Kulturenea de Vitoria-Gasteiz. Actualmente su obra, que podría definirse como interdisciplinar, está presente en exposiciones de arte contemporáneo en centros de reconocido prestigio como el CGAC, el MARCO, el MAC o el Círculo de Bellas Artes, así como en numerosas colecciones privadas y públicas en el CGAC o el Museo de Arte de Santander, entre otras.

XISELA FRANCO

Vigo, 1978

Xisela Franco es una artista y cineasta con una amplia trayectoria en el documental. Licenciada en Comunicación Audiovisual y en Filosofía por la UEM, funda en Madrid Epojé Films, con la que produce, guioniza o dirige documentales históricos para TVE o Canal Historia, además de películas con vocación artística. Por Aadat (2004), sobre la mujer saharaui, recibe el Premio Ciudad de Madrid al mejor documental español en Documenta Madrid. En 2006 se traslada a Canadá con la beca de postgrados de la Fundación Caixa Galicia y cursa un MFA en la York University (Master of Fine Arts in Film), y supervisa su tesis el cineasta Phil Hoffman. Entre 2008-2009 obtiene una beca en York como profesora ayudante del catedrático en cine canadiense John MCullough.

Regresa a España y dirige para la TVG la serie de 13 documentales As raíces (da industria galega). Gana el premio de producción ARTISTAAS 2015 y realiza en el MARCO de Vigo la exposición “Interior, exterior, durante”. En 2016 dirige el proyecto “Cinema e muller” de la Diputación de Pontevedra, para visibilizar el cine hecho por mujeres en Galicia, del que nace la película colaborativa Visións. Su trabajo estuvo en la sección oficial de festivales como Dok Leipzig Film Festival, European ShortFilm Biennale (Ludwigsburg), Montreal Underground Film Festival, Intermediaciones–Muestra de Videoarte de Medellín, Festival de Cine S8 de Curitiva (Brasil), Play-Doc, Cineuropa, MICE, Curtocircuíto (Premio AGAG al mejor guion, Cruz Piñón, 2014) o Cinemística de Granada (Premio Distinción Verde, Hyohakusha, 2015). O Concello de San Sadurniño en A Coruña le dedica en 2016 el Certamen Gallego de las Artes por la Igualdad.

Colabora con distintos festivales en los que programa con perspectiva feminista u organiza mesas o talleres. En 2020 participa como directora artística en el MOCA, en el que comisaria “Toronto, en primera persona”. Desde 2021 programa la sección Cinema Percorridos en Play-Doc o Paraíso en el Festival S8, en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, de la que Xisela es profesora asociada. 

CHELO MATESANZ

Reinosa, Cantabria, 1964. Afincada en Vigo desde hace años

Es licenciada en Bellas Artes en las especialidades de Audiovisuales y Pintura y doctora por la Universidad del País Vasco.

Graduada en Psicología con mención en Intervención Clínica en Trastornos Mentales y del Comportamiento en la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED). Se formó en Terapia Familiar Sistémica en Psicoestudio (Vigo). Es profesora titular de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra de la Universidad de Vigo.

En su trayectoria artística es necesario mencionar sus últimas exposiciones individuales: “Incredigirls”, en Palexco (A Coruña, 2022); “Me llamo Rubí, Diamante, Perla, las joyas de la boda de mi madre”, en la Galería Espacio Olvera (Sevilla, 2020); “Vírgenes para vestir”, en la misma galería (Sevilla, 2018); “As miñas cousas en observación”, en el CGAC (Santiago de Compostela, 2014); y sus exposiciones colectivas: “Sin cerraduras”, Colección Bragales, en la Fundación Vital (Vitoria-Gasteiz, 2022); “Cruzamentos”, en el CGAC (Santiago de Compostela, 2022); “Galicia futura”, en el Gaiás (Santiago de Compostela, 2022); “Teixint identitats”, en Tecla Sala (Barcelona, 2019); “Alén dos xéneros”, en el MARCO (Vigo, 2017); “93”, en el CGAC (Santiago de Compostela, 2013); “O bosquexo do mundo”, en el MARCO (Vigo), el Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela) y la Fundación Luis Seoane (A Coruña), entre 2013 y 2014; “Genealogías feministas en el arte español 1960-2010”, en MUSAC (León, 2012).

Estuvo representada en varias ferias como ARCO (Madrid), Art Chicago, Art Liste (Basilea, Suiza), Riparte (Roma), Art Colonia (Alemania) y Expoarte (Guadalajara, México).

En 1992 obtuvo una beca de formación y ayuda a investigadores del Departamento de Educación de la Universidad de Investigación del Gobierno Vasco. En 1994 fue seleccionada para la Mostra de Arte Xove y en 1995 en Germinations para nuevos artistas europeos y también obtuvo la beca de la Fundación Marcelino Botín. En 1996 le conceden el premio JASP al mejor artista joven en ARCO

Ha participado en numerosas mesas redondas, encuentros de artistas, charlas y conferencias sobre temas específicos relacionados con su experiencia artística.

REBECA LAR

Vigo, 1993

Rebeca Lar es doctora en Bellas Artes. En su tesis doctoral estudió las representaciones de la bruja en la creación audiovisual contemporánea, problemática con la que también trabajó en el ámbito artístico y literario.

En sus obras, centradas en la memoria y el lenguaje, el texto funciona como material y concepto. Su práctica multidisciplinar trata de revelar, más o menos explícitamente, lo que se encuentra en las fronteras. Sus últimos proyectos han recibido el apoyo de las bolsas de creación Injuve y Novos Valores y tienen que ver con las huellas de la memoria histórica en Galicia.

En su trayectoria ha conseguido premios de instituciones diversas: Xunta de Galicia, Universidad Loyola Andalucía, Diputación de Ourense o Universidad de Vigo, entre otras.

Ha formado parte de exposiciones en diferentes ciudades españolas, así como en Cuba y Portugal. Entre sus muestras colectivas destacan “Lo (in)visible” (Madrid, 2022), “Identidades latentes” (Galicia, 2020) o “Alén dos xéneros: prácticas artísticas feministas en Galicia” (Vigo y Santiago de Compostela, 2017).

Demuestra su interés por los enfoques feministas y recientemente ha investigado sobre la presencia de la perspectiva de género en la educación secundaria obligatoria. Con sus proyectos de investigación ha recibido reconocimientos por la inclusión de la perspectiva de género, participado en congresos sobre arte contemporáneo, performance o moda y publicado en revistas especializadas como Investigaciones Feministas de la Universidad Complutense.

NEVES SEARA

Ourense, 1983

Se formó en Bellas Artes y se especializó en Escenografía, posee el título de Especialista en Gestión Cultural, es doctoranda en Historia del Arte Contemporáneo, especializada en Arteterapia y Gestalt y con formación en feminismos y en violencia de género.

Ha expuesto en múltiples lugares dentro y fuera de Europa (La Habana, Nueva York, Londres, Bruselas, Ramala, Madrid, Galicia...). Es una artista multidisciplinar que trabaja la performance, la plástica, la fotografía y la escritura desde una perspectiva feminista y que también desarrolla su labor como docente y gestora cultural con ese mismo enfoque.

Gestiona eventos, comisariados, talleres creativo-didácticos para todas las edades con los que elabora un pensamiento crítico, pero también desempeña una labor de facilitadora en el acompañamiento terapéutico para personas con situaciones complejas a través del arte.

Afectada de endometriosis, emplea también su propia experiencia de 24 años sin diagnóstico y desatención médica para elaborar obras y forma parte de un colectivo con otras artistas para ayudar en la difusión sobre la enfermedad. 

MAR CALDAS

Vigo, 1964

Profesora de Bellas Artes en la Universidad de Vigo. Se doctoró en 2006 y recibió el premio extraordinario. En su trabajo artístico destaca el uso de la fotografía, el texto y el vídeo, e incorpora recursos performativos y procesales. Se interesa por las políticas de la representación y por la mirada de la y el espectador, en su obra aborda las relaciones de dominación, el valor de la micro-historia, el quebrantamiento de los roles sexuales o la desactivación del voyerismo.

Participó en exposiciones feministas y de género como las del Auditorio de Galicia “A arte inexistente. As artistas galegas do século XX” (1995) y “Marxes e mapas. A creación de xénero en Galicia” (2008), “Genealogías feministas en el arte español, 1960-2010” (MUSAC, León, 2012), “Alén dos xéneros. Prácticas artísticas feministas en Galicia” (MARCO, Vigo, 2017), “Women in Work. Mujer, arte y trabajo en la globalización” (Sala de la UPV Valencia; Galería Octubre, UJI Castellón, 2017), “Mujeres en acción. Violencia zero” (O Rosal, 2018), “Arredor da casa. Miradas de mulleres” en la Colección Alterarte (Fundación Luis Seoane, A Coruña, 2019), “De mestras e mestrados” (Museo de Pontevedra, 2020) o “Artivisme feminista” (Casino Liberal, Algemesí, Valencia, 2022).

Combina la práctica artística con una labor teórica vertida en conferencias, ensayos y comisariados. Con temática de género comisarió las exposiciones “Maquila Boutique” (itinerancia en Galicia, 2006), “Boas pezas” (Sala X, Pontevedra, 2007), “Xénero e artes visuais en UVigo (Sala X, Pontevedra, 2014) y “Sen moldes. Comentarios fotográficos sobre os xéneros” (UVigo, 2017/21). Cocomisarió los ciclos de vídeo En Primeira Persoa. Relacións do Suxeito na Intimidade (CGAC, Santiago de Compostela, 2006), Plano Íntimo (Sala Parpalló, Valencia, 2007), Desafi(n)ando el Género (Murcia Cultural, 2010) y las cuatro ediciones de “ARTISTAS”, proyecto de visibilización de las obras de las alumnas de la Universidad de Vigo (UVigo, MARCO y CGAC de 2011 a 2015).

ITZIAR EZQUIETA

A Coruña, 1975. Afincada en Pontevedra desde hace años

Itziar Ezquieta nace en A Coruña en 1975, aunque a los pocos años de edad se traslada a vivir a Pontevedra, ciudad en la que vive desde entonces.

Doctora en Bellas Artes, en la actualidad concilia su actividad en el campo artístico con la docencia e investigación en el área de expresión plástica de la Universidad de Vigo (UVigo).

Ha realizado múltiples exposiciones en diversas instituciones de la comunidad gallega. Desarrolla a lo largo de estos años un proceso de investigación alrededor de la labor creativa, la plástica, la experimentación y la transmisión formal y conceptual de la obra de arte y su didáctica, realizando trabajos de ilustración de libros infantiles o proyectos de investigación y mediación artística, así como proyectos de comisariado, coordinación, montajes y diseños expostivos.

Ha realizado exposiciones individuales en la Galería Sargadelos (Pontevedra), la Galería por Amor á Arte (Oporto), la Galería Paloma Pintos (Santiago de Compostela), la Fundación Caja Madrid (Pontevedra), en El Correo Gallego (Santiago de Compostela) y la Galería Anexo (Pontevedra), y colectivas en el Museo de Pontevedra, el Auditorio de Galicia, el IFEVI (Vigo), el Pazo da Cultura (Pontevedra), la Xunta de Galicia (Pontevedra), el Fórum Cultural (Vila Nova de Cerveira), la Galería María Prego (Vigo), el MARCO (Vigo), el Palacio de Congresos (Madrid), etc.

Recibió bolsas de investigación y de colaboración de la UVigo del 2000 al 2012 y la bolsa Novos Valores de la Diputación Pontevedra en 1999.

Tiene obras premiadas en el II Certame María José Jove, la IV y XI Bienal Issac Díaz Pardo, la XIV Bienal Internacional de Arte de Vila Nova de Cerveira, la V Bienal Pintor Laxeiro, el V Premio Comarcas do Sar, la VII Bienal de Pintura Araguaney, la Vanguardia 2005 y la XXIX Bienal de Pintura Concello de Cambre.

Por otra parte, tiene obras expuestas en el Fondo de Paradores de Turismo (Madrid), la Fundación Museo A Solaina Piloño (Lalín), la Diputación de A Coruña y la de Pontevedra, el Centro Andaluz de Arte Seriado (Jaén), los ayuntamientos de Cangas, Bueu y Vilagarcía de Arousa, el Departamento de Cultura de O Barco de Valdeorras, el Museo Municipal Ramón María Aller (Lalín), el proyecto de reforma de la isla de San Simón, las instalaciones de la TVG, el fondo artístico Caja Madrid (Pontevedra), la UVigo, la Xunta de Galicia, la Fundación Araguaney, el Grupo El Correo Gallego y el Ámbito Cultural El Corte Inglés.

NURIA RUIBAL

Oviedo, 1983. Reside en Pontevedra desde hace años

Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, donde amplía sus estudios de doctorado y máster en Arte Contemporáneo.

En 2008 tiene lugar su primera muestra individual “Estados de ánimo”, dentro del programa “Culturaquí”, en la Sala Borrón de Oviedo, una exposición que tuvo gran acogida tanto por parte del público como de la crítica.

Posteriormente fue premiada con la beca AlNorte, con la que expondrá de manera individual el proyecto “Dulce sumisión”, en el Museo Barjola de Gijón.

Se interesa por los proyectos site specific e intervendrá la Zona C de Santiago de Compostela con la obra Entre a razón e a piel.

En 2014 recibe el Premio Concello de Santiago de Compostela en la Feira de Arte Contemporáneo Cuarto Público, por su proyecto “Non importa o final”. Su trabajo pudo verse en muestras internacionales como ARCO 2008 y 2011, y en exposiciones colectivas como “Oito_artistas.gal”; VI Premio Auditorio de Galicia; V Certame de Artes Plásticas Mulier Mulieris; en varias muestras de poesía experimental de la Diputación de Badajoz o en el IX Certamen de Artes Plásticas de la Diputación de Ourense, donde se le otorgó el segundo premio.

Recientemente ha expuesto en la 27 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias; el XX Aniversario AlNorte; el Eau de Femme o la Muestra XXV Aniversario de “Voilá la femme”.

En su trabajo siempre estuvo latente la preocupación por temas como el paso del tiempo, la memoria o la identidad; emplea para eso el uso de la palabra, el dibujo o el carácter narrativo que esconden los objetos de uso cotidiano. Trabajos de carácter íntimo, que juegan con ese deseo de permanencia. Proyectos en los que lo particular se convierte en colectivo, en un intento por dejar huella de la propia existencia.