CARLA ANDRADE

Biografía

Carla Andrade (Vigo, 1983)

Artista dedicada a la fotografía y al medio audiovisual, Carla Andrade se licenció en Comunicación Audiovisual y ha realizado un máster en Artist's Film & Moving Image en la Universidad Goldsmiths de Londres; además, es estudiante de Filosofía por la Universidad Nacional de Educación a Distancia. Su trabajo ha sido presentado de forma individual en centros de arte contemporáneo como el Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa de A Coruña, el Centro de Arte y Naturaleza de Huesca, BilbaoArte, la Casa de las Artes de Vigo o la Galería Trinta en Santiago de Compostela, entre otros; de forma colectiva en el Museo Guggenheim de Bilbao, el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el centro Tabacalera Promoción del Arte de Madrid, CaixaForum, La Casa Encendida, Le 104 París o la compañía LUX de Londres; y en festivales internacionales de cine y fotografía, como el Festival Internacional de Cine de Róterdam, el Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao, PortoPostDoc, Curtas Vila do Conde, Jihlava, Play-Doc, Curtocircuíto, Alchemy Film Festival, FILMADRID, (S8), PHotoEspaña, Le Mois de la Photo o Encontros da Imagem. Ha recibido el Premio Mujeres-Foro-Diálogo Alliançe Française/Pilar Citoler, de PHotoEspaña (2012); el ABSOLUT//COLLECTION (2013); el Premio Adquisición Franc Vila, de la Galería Luis Adelantado (2013); el Premio Joven Artes Plásticas de la Universidad Complutense de Madrid (2014); el Premio de Fotografía Comunidad de Madrid-SUMMA (2015); el Premio Panorama Filmic Crater-Lab, de L'Alternativa Festival de Cine Independiente de Barcelona (2016); y el Premio Play-Doc a la mejor película gallega (2022), entre otros. También ha conseguido becas de INJUVE, BilbaoArte, Visual Entidad de Gestión de Artistas Plásticos, Agencia Gallega de las Industrias Culturales, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales o Institut Français, entre otras. A lo largo de toda su trayectoria, ha participado en residencias y llevado a cabo proyectos artísticos en lugares como Islandia, Nepal, Chile, Suecia, República Centroafricana, Barcelona, Bilbao o París. Sus obras han sido adquiridas por colecciones públicas y privadas como el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Utopicus, CA2M, MAC Gas Natural Fenosa, Universidad Complutense de Madrid, Diputación de A Coruña, Gobierno de La Rioja, Colección Frac Vila, Colegio de España en París, Fundación BilbaoArte, Ayuntamiento de Vigo, Xunta de Galicia, Alliance Française o Ayuntamiento de Villoslada de Cameros.

Proyecto

A través del paisaje y los elementos naturales de San Vicente do Mar, el proyecto propuesto pretende plantear formas alternativas de la experiencia de lo sublime que difieran del discurso hegemónico, históricamente desarrollado dentro de una tradición patriarcal. Se trata de sustituir la forma clásica en la que se suele representar el paisaje, con el fin de reformular cuestiones de cierta naturaleza trascendente que normalmente están vinculadas al discurso de lo sublime.

Así, atendiendo al mundo natural en relación con sus implicaciones históricas en la identidad de sus habitantes y su cotidianeidad, este sublime rearticulado busca reemplazar el terror por el respeto, el heroísmo por la humildad, el dominio por la aceptación. El deleite o éxtasis que produce experimentar lo sublime se debe aquí a un sentimiento de amor más que a una revelación que ennoblece. La admiración se manifiesta prestando atención a lo cotidiano. Este sublime no intenta dar una respuesta absoluta, no juega el papel del genio. La alteridad —y la naturaleza— puede ser experimentada más que expresada, trasciende el logos, por lo que aparece un conflicto al llegar a la tercera y última fase kantiana de la experiencia estética de lo sublime. Tampoco se trata de comparar el “yo” con la naturaleza, sino que requiere aceptar que no lo poseemos y, por lo tanto, no podemos dominarlo. Este sublime pide respetar lo que está más allá de nosotras y nosotros y está más comprometido con una dimensión ética y política.

Para ello, algunos de los mecanismos que se llevarán a cabo son: en primer lugar, el uso de película analógica, dejando a la luz la vida del propio negativo, incluida su materialidad intrínseca, a menudo tratada como errores que aquí, en vez de controlarlos o domesticarlos, serán considerados gemas estéticas, pues recuerdan la idea de aceptar la realidad tal como es, sin transformarla o manipularla. En segundo lugar, situarse en una suerte de fluctuación entre proximidad y distancia, tratando manualmente las fotografías, en un intento de integración en el trabajo, de ser parte de él, con el fin de difuminar el límite entre el “yo” y el “otro”. En tercer lugar, se suprimirá el componente heroico-intelectual que aspira a mostrar la naturaleza en relación con su utilidad y comprensibilidad para los humanos, dejando que las cosas se muestren como son, por muy cotidianas que sean, pues dedicar tiempo a lo "otro" también es una forma de sublime, además de un mecanismo de fidelidad a la realidad. Por último, en la interacción directa con la comunidad, se pondrá en primer plano la experiencia directa —siendo consciente de mis propias limitaciones—, en lugar de apropiarme de ella. Esta oscilación perceptiva entre fusión y desapego estará presente en el proyecto, que operará a través de una mirada que no busca la omnipresencia como solemos encontrar en el sublime patriarcal desapegado. Aquí, lo sublime proviene de un encuentro cuerpo a cuerpo, pese a que todavía está presente un sentimiento extraño.

PABLO BARREIRO

Biografía

Pablo Rodríguez Barreiro (Meaño, Pontevedra, 1982)

Expongo regularmente en la Galería Nordés (Santiago de Compostela) y en la Galería Nono (Lisboa). También he participado en exposiciones colectivas en museos, como el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC) de Santiago de Compostela, el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, el Museo da Ciudad de Lisboa o el Museo Patio Herreriano de Valladolid. Últimamente participo en ferias de arte como ARCO de Madrid y de Lisboa, JUSTMAD ART FAIR y JustLX.

Me han seleccionado para desarrollar diferentes procesos de proyectos en residencias artísticas, como las residencias MAC Gas Natural Fenosa (A Coruña), NUOVE//Residency (Bassano del Grappa, Italia), ARCO (Lisboa y Portugal) o Bliiida – Metz (Francia).

Algunas de mis obras se encuentran en colecciones del CGAC, DKV, Luis Sirvent, Diputación de A Coruña, Diputación de Pontevedra o NUOVE//Residency, entre otras.

Proyecto

“A idea dun lago” es un proyecto que quiere investigar sobre cuestiones de paisaje, territorio y naturaleza desde una perspectiva escultórica, de intervención y estetitación en la búsqueda de una poetización del paisaje, teniendo cuenta la mirada de la gente local, la profundidad y la repercusión del territorio, y cómo esto influye en la naturaleza.

En concreto en el siglo xx, las tejeras y ladrilleras (Cerámica Campo, por ejemplo) extraían intensivamente arcillas en la zona de la Fianteira y surgieron varias lagunas que, a lo largo del tiempo, fueron totalmente reapropiadas por la naturaleza. Así, un proceso semiindustrializado (fabricación de módulos cerámicos) cambia la idea de territorio, y la naturaleza es la redentora final del paisaje.

Consiste en estudiar los elementos orográficos y geográficos que se dan en el proceso de extracción de arcillas con una perspectiva escultórica (modelar, tallar, afondar, trazar, texturizar...); el lago como contenedor de una memoria colectiva, memoria extractiva/escultórica.

DIEGO VITES

Biografía

Diego Vites (Pontevedra, 1986)

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna en 2009, funda junto con diferentes artistas El Apartamento, un centro de producción situado en Santa Cruz de Tenerife (proyecto ganador de la Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias 2009), donde produce las instalaciones que más tarde expondrá en la Sala Cabrera Pinto y en el TEA Tenerife Espacio de las Artes dentro de la exposición colectiva “25 pies. Orientaciones” y la individual “Buhardilla”. En 2010 regresa a Galicia y cursa el Máster en Arte, Museología y Crítica Contemporánea del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Santiago de Compostela. Funda y codirige el Furancho de Arte Contemporánea Peregrina (FAC Peregrina). Su obra se incorpora en medio de una multiplicidad de relaciones abiertas entre la pintura, la instalación, la acción, la escultura y el vídeo, en una construcción de realidad deliberadamente mediada por las imágenes de la historia del arte. Sus instalaciones funcionan como extensiones escultóricas de su pintura, sus vídeos como ensayos de composición pictórica y sus acciones como modos de relacionarse con la producción simbólica singular de su entorno. Forma parte del ciclo de exposiciones Afluentes 68: la Figuración en el Arte Gallego desde los Años Sesenta y su obra pudo verse en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo dentro de la exposición “Veraneantes”, para la que realizó dos piezas site-specific. Recorrió Latinoamérica realizando varias residencias de arte contemporáneo en Ecuador, México y Argentina, continuando con su línea de investigación. En 2017 realizó el proyecto “Historiografía Tigua en el Ecuador”, ganador de la beca Novos Valores que otorga la Diputación de Pontevedra, y en 2018 arrancó “GÜITA”, en la residencia SOLAR Acción Cultural en Tenerife. Actualmente forma parte del colectivo Unha Gran Burla Negra: creatividade popular e memoria do Prestige, cuyo trabajo puede verse dentro de la exposición “VASOS COMUNICANTES. Colección 1881-2021”, del colectivo Nova Escultura Galega, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Proyecto

“Cabria para Barrosa” se propone como un lugar para la experimentación, un proyecto multidisciplinar cuyo objetivo es el análisis y la observación de las formas, materiales y usos que se dan en todo el proceso de secado del pulpo y trasladarlos al campo del arte contemporáneo. La potente arquitectura popular de la cabria servirá como esqueleto vertebrador de la residencia realizando varias réplicas en el entorno del Náutico de San Vicente do Mar. Esta estructura servirá para llevar a cabo ensayos como dispositivo expositivo. Todo lo que rodea al trabajo de un secadero es extremadamente sugerente: la plasticidad del pulpo en sus diversas formas durante el proceso, toda la utilería que rodea el trabajo y el producto ya secado, y sus posibilidades estéticas y culinarias.

Tras un acopio de material de archivo y registros en diversos medios (fotografía, entrevistas, 16 mm...) en el entorno de O Grove, se pasará al trabajo de taller en el espacio de residencia. Se realizará una publicación autoeditada y se construirán e instalarán una o varias cabrias como secadero de pulpo. Como resultado final se presentará una obra procesual de capas superpuestas, una gran pintura expandida transitable entre significados.

Visitas y colaboraciones: 

• Familia Prieto (Restaurante Casa Pepe)
• Quinteiro de Temperán
• Museo da Salgadeira de Moreiras
• Asociación Bottlenose Dolphin Research Institute
• Pescanova Biomarine Center
• Amigos de A Dorna Meca
• Pepe Solla (jefe de cocina colaborador con el Náutico de San Vicente do Mar)
• Javi Olleros (jefe de cocina del restaurante Culler de Pau)
• Grovemakers

YOLANDA RÍOS

Biografía

Yolanda Ríos (Moaña, Pontevedra, 1979)

Durante su trayectoria artística ha recibido diversos premios, entre los que cabe destacar el del certamen Novos Valores de Artes Plásticas de la Diputación de Pontevedra en 2017, el Premio Arte y Enfermedades de la Cátedra Arte y Enfermedades de la Universidad Politécnica de Valencia y AbbVie en 2014, uno de los premios del 25 Aniversario de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y un accésit del III Certamen Internacional de Arte PLASTIKA19, organizado por la sala Apo’strophe.arte, Vigo. Las exposiciones individuales más relevantes en las que ha participado son “Cerrar la puerta después de entrar” (2020), en la Sala X de Pontevedra, y “Habitar las obsesiones” (2016), en la sala de exposiciones de la sede de Vigo de la Diputación de Pontevedra. Entre sus exposiciones colectivas destacan “Intersección. Contemporary Audiovisual Art Festival” (2021), Fundación Luis Seoane, A Coruña; “III Certamen Internacional de Arte PLASTIKA19” (2019), Apo´strohe.arte, Museo del Mar de Galicia, Vigo; “Provisionalidad permanente” (2019), Grupo de Investigación PRACE de la Universidad de Vigo, Sala Torrado, Cambados; “Novos Valores 2017”, Museo de Pontevedra (Edificio Castelao); “Magical Girls. Novas narrativas da muller vernácula” (2016), Casa das Artes, Vigo; “The Plot Thickens” (2016), Kunstpodium T, Tilburg, Holanda (proyecto Apprentice/Master de 2015/2016); “Interstícios: Espaços entre arte e arquitectura” (2016), Facultad de Arquitectura, Guimarães, Portugal; y “Das Spreehöfe Projekt. Das Blaue vom Himmel versprechen” (2015), Kunst am Spreeknie, Berlín. Además, algunas de sus obras se encuentran en colecciones de la Diputación de Pontevedra, en la Colección Perspectives (AbbVie) y en el Hospital Álvaro Cunqueiro de Vigo.

Proyecto

Para este proyecto artístico titulado “La memoria intersticial” se tiene en cuenta la historia que se desprende del hallazgo de los restos arqueológicos del yacimiento Adro Vello en San Vicente do Mar, cuyo lugar estuvo ocupado aproximadamente hasta el siglo xviii. En este emplazamiento se han encontrado restos de una villa romana y de una fábrica de salazón de pescado; también se aprecian los cimientos de una iglesia visigótica, elementos de una fortificación de la Baja Edad Media (posterior al siglo xii) y una necrópolis de inhumación cuyo nombre, Adro Vello, hace alusión a los restos de la iglesia. Además, con esta última edificación se intentaba cristianizar el lugar y eliminar así los cultos paganos que proliferaban en la zona. Sin embargo, ante los continuos ataques de piratas y corsarios, se decidió que la edificación religiosa se trasladase al lugar que hoy ocupa en San Vicente do Mar.

Este patrimonio cultural, histórico y arquitectónico, en la actualidad en su mayor parte desaparecido, es la semilla de este proyecto. Esas construcciones (ausentes) y sus maneras de habitarlas, así como las diferentes ocupaciones del territorio, son la base fundamental para comenzar el proceso de trabajo. Por lo tanto, se tratará de generar una visión propia de esa (in)materialidad constructiva y habitada, de sus restos a través de sus capas, de sus espacios intermedios o de sus vestigios. Se pretende crear una pieza escultórica o instalación que tenga relación con las diferentes construcciones que han existido en el lugar para conseguir así una pieza a modo de palimpsesto, donde cada capa deja entrever lo anterior. El cometido de este proyecto es “visibilizar” aquello que ya no podemos apreciar porque prácticamente no existe, o solamente se puede evidenciar a través de unas huellas, rastros o intersticios. Es por ello que se quiere dar forma material al vacío que queda, al hueco o a la grieta.

El paso del tiempo y las condiciones meteorológicas han ejercido su influencia sobre el entorno, en concreto sobre las piedras, desgastando, borrando, destruyendo y creando nuevas formas, de igual manera que las diversas civilizaciones han modificado el entorno y el paisaje de la zona del Adro Vello a través de sus construcciones.

Por último, cabe destacar que los valores sociales del proyecto se pueden definir a través del entendimiento del entorno y del paisaje gallego, poniendo en valor su historia, sus restos arqueológicos y su cultura a través del arte contemporáneo.

OLMO BLANCO

Biografía

Olmo Blanco (Boiro, A Coruña, 1982)

En 2001 comienza sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. Durante esta época es becado en varias ocasiones; así, estudia un año en la Escuela de Bellas Artes de Lieja (Bélgica), otro en la Universidad de Granada y termina su carrera universitaria en la Pontificia Universidad Católica de Chile. En 2007 se licencia por la Universidad de Salamanca y se instala en Santiago de Compostela. En esta época comienza su trayectoria profesional, en la que desarrollará las “instalodecoraciones” (proyectos de dibujo expandido realizados para espacios específicos). En 2011 funda, junto Ania González y Diego Vites, el Furancho de Arte Contemporánea Peregrina (FAC Peregrina), con el propósito de crear un espacio para dar salida al excedente cultural y artístico de ese momento. A partir de 2017 el artista abre nuevas líneas de trabajo cada vez más orientadas al paisaje, donde combina técnicas tradicionales con los nuevos medios digitales. El creciente interés por este tema lo lleva a crear, junto a la artista Lúa Gándara, el colectivo de artistas Poligonal.

Proyecto

INTRODUCCIÓN. Aprovechando que ya no estamos en temporada alta de turismo, será más fácil observar el entorno y hablar con las y los habitantes de San Vicente do Mar para, así, seleccionar tres lugares que serán representados en tres soportes diferentes: pintura sobre lienzo, animación GIF y postal.

EL PROYECTO. Se producirán tres obras:

• Pintura sobre lienzo:
  Como soporte tradicional e intergeneracional que es reconocido por los diferentes segmentos de edad y que nos vincula con la historia del arte occidental.
• Animación digital en formato GIF:
  Animaciones que se repiten en bucle, muy utilizadas en sistemas de mensajería digital y redes sociales. El día de la presentación, como forma de democratización de la obra de arte, se pondrán a libre disposición del público para ser compartidas.
• Postal:
  Impresas en papel de 300 g o similar. Servirán para mostrar al mundo otros aspectos de San Vicente do Mar más allá de la imagen turística. Se imprimirán cien postales, que se pondrán a libre disposición de las y los asistentes en el acto de presentación.

MACARENA MONTESINOS

Biografía

Macarena Montesinos (Vigo, 1982)

Violonchelista, improvisadora, intérprete, artista visual e investigadora. Actualmente investiga en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra de la Universidad de Vigo, donde estudia la relación entre las partituras gráficas y la improvisación sonora. Macarena Montesinos es una artista con una larga trayectoria, colaboradora en múltiples propuestas e integrante de diferentes formaciones de improvisación y música experimental, como el cuarteto de cuerda Suelen Estar Quartet, Napal o Fonogenia, ente otros. Además, es miembro de la orquesta de improvisación dirigida Orquesta Gallega de Liberación y fue miembro de las orquestas OMEGA y Metamovida. Hasta ahora ha publicado más de una docena de discos en sellos europeos y americanos, como CreativeSources (Portugal), Pan y Rosas (Estados Unidos) o Setola de Maiale (Italia).

En el campo de las artes escénicas ha trabajado como creadora, intérprete y compositora de espacios sonoros con la ayuda de diferentes residencias artísticas de investigación como Tanzhaus (Zúrich), Casa Dimitri (Verscio, Suiza), Azala Espacio de Creación (Álava), Residencias paraíso del Colectivo RPM y el Espacio de Intervención Cultural de la Universidad de A Coruña, Normal.

Asimismo, ha trabajado en la composición o interpretación de bandas sonoras en producciones audiovisuales gallegas como 9 Fugas, dirigida por Fon Cortizo, con la que recibieron el Premio Mestre Mateo a la mejor banda sonora, Sea Beasts, Linko, Malencolía o Cariño.

Proyecto

 “Soa San Vicente do Mar!” es un proyecto inédito audiovisual creado por la violonchelista y artista visual Macarena Montesinos; una propuesta contemporánea pensada para llevarse a cabo en la residencia artística “#DEPOCREA”, del 28 de octubre al 11 de noviembre de 2022 en San Vicente do Mar, O Grove.

Macarena Montesinos presenta una nueva propuesta en formato audiovisual que une el arte sonoro y el arte de acción. De este modo, mezcla su faceta más interdisciplinaria con sus líneas de investigación llevadas a cabo en el plan de doctorado en creación e investigación en arte contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes.

“Soa San Vicente do Mar!” es una propuesta artística dividida en partes diferenciadas dentro del propio proceso de creación. Por un lado, se hará una cartografía sonora explorando y grabando en sonido y vídeo el territorio y los lugares con gran interés patrimonial medioambiental, cultural, social e histórico. Para esto, se utilizarán micrófonos especializados, como hidrófonos, geófonos y micros de contacto, entre otros. De este modo, podremos acercarnos a los sonidos que los seres humanos no podemos escuchar de forma natural. Se contará con la colaboración del artista sonoro Marco Maril, que nos ayudará en el registro de algunas de las acciones y en la posproducción de la mezcla final de sonido.

La innovación de esta propuesta reside en que Macarena Montesinos, a través de unos auriculares, podrá escuchar esos sonidos para poder intervenir en directo con su violonchelo o a través de otro tipo de acciones sonoras. Si el concepto de paisaje sonoro ha permitido construir desde los años setenta la representación del ambiente sonoro como una composición musical, en esta propuesta se va un paso más allá al tocar en directo, en tiempo real, en el mismo espacio y tiempo, con ese paisaje sonoro, que a veces funciona de instrumento solista y otras como acompañamiento.

Además, el resultado de estas acciones podrá ser visto y oído a través de nuestros dispositivos móviles mediante unos códigos QR instalados en las propias localizaciones de las acciones. De este modo, cualquier persona podrá acceder y ser partícipe de los resultados sonoros en el mismo espacio donde se registraron.

Como obra final, con todo el conjunto de acciones y registros grabados previamente, se hará una videocreación de una duración aproximada de diez minutos. La pieza audiovisual final se expondrá el 12 de noviembre dentro del acto público que se realizará como cierre de la residencia de creación.