Somos DUELIRIUM

Somos creadoras, artistas de circo y diseñadoras de dispositivos y sistemas aéreos.

Comenzamos en el 2001 nuestro viaje juntas, motivadas por el lenguaje de los cuerpos suspendidos y su expresividad.

Nos impulsamos a investigar sobre las posibilidades del movimiento en el espacio aéreo y diseñamos diferentes mecanismos técnicos y aparatos circenses en la creación de nuestras piezas.

La danza, la acrobacia, la poesía y la plasticidad son el canal por el que transmitimos los valores esenciales de la compañía, lo sencillo, lo humano y lo afectivo, son las inquietudes que habitan y navegan en la base.

Siempre en la búsqueda de nuestro estilo y vocabulario propio recorremos Europa con nuestras producciones. Como Aviadoras, que participó en el programa europeo de Jeunes talents de cirque 2009, o O que queda por chover en el Festival Internacional Imaginarius de Portugal. Por separado, compaginamos trabajos individuales y para otras compañías junto con la docencia.

En 2016 formamos el Colectivo Verticalia (Duelirium+Determinada Cía.), especializado en la fusión de danza contemporánea y danza vertical, con el que presentamos el montaje Alma non é hippie en el marco de Circo Red, en el Teatro Price, o en el TRC Danza de A Coruña, entre otros.

Raquel Oitavén

Creadora escénica, artista de circo aéreo, docente y técnica de seguridad en circo.

Es diplomada por el National Centre for Circus Arts de Londres; también se formó en la Escuela del Circo Rogelio Rivel y en seguridad aérea con la Asociación Europea para la Investigación, Innovación y Seguridad de las Artes del Circo (AERISC) y la Asociación de Empresas Tecnológicas y Audiovisuales de Galicia (AGATEC). En danza aprende de bailarinas y bailarines como Sharon Fridman, Laly Aiguade, Fabian Thomé, Merce Cunningham Dance Company, Fura dels Baus, La pharmaco, Victoria P. Miranda, Gravity & Levity, etc.

Combina la creación de espectáculos en Duelirium y la interpretación para otras compañías como Pistacatro, Aporía Escénica o Generating Company, entre otras. Como docente imparte clases de danza, circo aéreo y pole dance en las academias Lodanzas, Danza Alfaia y Circonove, donde también gestiona actividades y proyectos culturales. Colaboradora de la revista MujerArt Magazine e integrante de la Asociación Profesional de Circo de Galicia (APCG).

Mercè Solé

Artista de circo aéreo multidisciplinar, docente y técnica de seguridad en circo. Licenciada en el National Centre for Circus Arts y especializada en diseño e investigación de aparatos aéreos, con formación en danza con Merce Cunningham Dance Company, Gravity & Levity y Momix.
Se forma como técnica en seguridad de circo con Thomas Loriaux (AERISC).

Cuenta con más de 15 años de experiencia como docente en técnicas aéreas, preparación física y flexibilidad, en los centros Circonove o BSDanza, y es integrante de la APCG.

Mónica de Nut (Mónica Iglesias Rodríguez)

Cantante de ópera, jazz, contemporánea y música gallega de raíz. Actriz con experiencia en la danza contemporánea. Diplomada en Pedagogía Musical por la Universidad de Vigo, su ciudad natal, y licenciada por la Escuela Superior de Canto de Madrid. Compagina la docencia con la composición musical; es actriz en el campo del audiovisual y el teatro y cantante y teclista en proyectos musicales.

Voz Soa, Intervencións de Rúa y sus tres discos autoeditados en solitario, Mónica de Nut trío, Dos fíos invisibles chegan as cores y Raíces aéreas, son sus proyectos. Forma parte del último trabajo de Mercedes Peón,Déixaas, de Banda Tosta, representación internacional de música de culturas minorizadas, y Koklea, ambos proyectos de Oreka Tx.

Entre sus trabajos teatrales destacan el papel de Jenny en la producción del Centro Dramático Gallego A ópera dos tres reás; Judit en la obra Barbazul, dirigida por Marta Pazos, o en Mujer muerta caminando, de Carlos Álvarez Osorio. En el cine participa en Tilda & Jean de Darío Autrán y en la recientemente estrenada Nación de Margarita Ledo.

Fue premiada por el Festival Internacional de Arte de Sapporo (Japón, 2014), por la interpretación de la obra del compositor Karolis Biveinis Voicing, III parte, por la que recibieron un Silver Award de la mano de Ryuichi Sakamoto. En el 2015 fue finalista del Premio María Casares de Teatro a la mejor música escénica por la obra Kassa de la compañía Elefante Elegante, y en el 2016 fue ganadora de esta categoría por la música de la obra Manawee de la compañía Matrioshka, con la que acaba de estrenar la banda sonora de la pieza Comando comadres, y Miss Docet, de Eléctrica.

Iria Sobrado

(O Carballiño, 1979)

Iria Sobrado es una artista gallega. Compostelana de adopción, “y de corazón”, es actriz de teatro y televisión y su propuesta artística más personal tiene forma de performance y de acciones escénicas efímeras.

Amante del riesgo, apuesta, en la actualidad, por propuestas que buscan una conexión directa con la y el espectador y una exploración de la intimidad.
Actualmente se encuentra inmersa en el proceso creativo de su primer largometraje, Aquagym, proyecto seleccionado en la convocatoria de subvenciones de creación audiovisual para el desarrollo y promoción del talento audiovisual gallegode la Agencia Gallega de las Industrias Culturales.

Le gustan los fuegos artificiales y la poesía, el mar, el calor y el salitre. El poeta Valente y las valientes. John Berger y Tarkovsky. Almudena Grandes y Carla Simón. La palabra. El silencio. Y la búsqueda incesante de la belleza.

Ana Gesto

(Santiago de Compostela, 1978)

Estudió Bellas Artes en la Universidad de Vigo (2003-2008) y en San Carles de Valencia con la beca Sicue/Séneca, y también recibió una beca del Sistema Universitario Gallego para estudios de tercer ciclo (2009-2010). Formó parte del grupo de investigación Resistencia e Materialización de la Universidad de Vigo desde 2008 a 2011. 

Ha impartido talleres de arte de acción y artes visuales en varias galerías, museos y escuelas. Ha hecho performance de arte de acción en eventos y ha participado en exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional, como Art d’Acción (Valencia, 2009); Resistencia y materialización UPV/EHU (Bilbao, 2010); Epipiderme (Lisboa, 2011); Line Up Acción (Coímbra, 2011); Acción! MAD11 (Madrid, 2011); Fem Corpología (Girona, 2012); Galería Działlań (Varsovia, 2012); XIV Interakcje 2012 (Polonia); Hydra. Küntlerforum Boon (Alemania, 2013); Corporeidades feministas en España (Costa Rica, 2014); Arqueologías de lo íntimo (León, 2014); Mujeres: territorios artísticos de resistencia, La Nau (Valencia, 2014); La Muga Caula (Cataluña, 2015); Alén dos xéneros MARCO (Vigo y Santiago de Compostela, 2017); Eschangue. Exchange Live Art (Salamanca, 2018); “Mulleres en acción. Violencia zero”, acción colectiva con Ana Matey, Isabel León Guzmán, María Marticorena, también en el Pao Festival (2019); ROM Kunst+Arkitektur (Oslo, 2019); Camiños incertos, Fundación Camilo José Cela (Padrón, 2020); USCénica (Santiago de Compostela, 2021); Conversaciones alrededor de la performance (Universidad de Vigo, 2021); Culturgal, “ViolenciaZero” (Pontevedra, 2021); Memoria e terra. Recolectoras (Lugo, 2022); Mujeres Dadá de Ediciones Canibaal (Valencia, 2022); o Festival Plataforma 2022, entre otras.

Ana Gesto es performer y artista visual, y desarrolla su trabajo sobre las prácticas culturales y sociales de fuerte carácter identitario, donde el proceso es esencial y se resuelve a través de la presencia, el espacio, la materialidad de los objetos y su sonido. Tiende a usar la escultura como lenguaje y la experimentación acústica. Trabaja con objetos transmutados de gran valor simbólico y con los sonidos que el proceso produce. Incorpora la naturaleza no neutral del espacio en sus acciones, a diario interactúa con el público.

Helena Salgueiro

(Santiago de Compostela, 1995)

Es una performer, intérprete, bailarina, poeta y directora escénica gallega. Su trabajo se focaliza en la performatividad del cuerpo a través del lenguaje, la escritura y el movimiento. Ha mostrado sus creaciones en teatros, museos, espacios y festivales de Galicia, Portugal, Reino Unido, Suecia y Arabia Saudí. Ha publicado dos poemarios y una obra de teatro, además de haber participado en diversas antologías de poesía contemporánea y publicaciones de investigación y crítica sobre artes performativas, danza y poesía en el ámbito gallego y británico. También imparte cursos y conferencias en universidades y centros de arte.

María Move

(León, 1983)

Artista multidisciplinar que reside en Galicia desde 2005. Licenciada en Bellas Artes y Música, con formación en danza y técnicas aéreas de circo, enfoca su trabajo en el campo escénico como creadora, intérprete, compositora, cantante, bailarina y actriz.

Desde 2018 trabaja y crea con la Compañía SU.MA (teatro físico, danza y circo) junto a Sue Moreno y Marc Torrecillas, y centra el trabajo de composición musical para danza y teatro junto a Manuel Fonte y Raúl Grillo. 

Entre sus últimos trabajos destacan:

Escénicas: AIREnoAR, 2015, dirección de Rut Balbís; IN MAPA SON, 2017; Toda a beleza do mundo, 2018, Cía. María Move, dirección de Nuria Sotelo; UMU_Música e ritmo para bebés, 2019, dirección de María Move; e IKIGAI, Cía. SU.MA, 2020, dirección de Gonçalo Guerrero.
Bandas sonoras: Contiguo, 2015, Cía. IO; 4.0, 2018, Cía. Sue Moreno; Puk e Nuk, 2018, Cía. Elías Aguirre; Medula, 2020, Cía. Exire; IKIGAI, 2020, Cía. SU.MA; HOME, 2021, de Beatriz Pérez para Hedwig Dances Chicago.

Ana Abad de Larriva

(Vigo, 1988)

Actriz y creadora escénica, es titulada superior en Arte Dramático en la especialidad de Interpretación Gestual por la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Galicia. Como actriz creadora desarrolla piezas concebidas como poemas escénicos, en las que están muy presentes las artes del movimiento (el‍ ‍teatro físico y la danza), el universo femenino, la naturaleza, la música y el canto (en espacios sonoros compuestos e interpretados por ella), desde un abordaje performativo y plástico; con una visión crítica y comprometida y, a la vez, poética e inspiradora. Sus creaciones fueron seleccionadas y resultaron finalistas en diferentes certámenes y convocatorias (el Metro Cadrado del Festival Internacional Outono de Teatro de Carballo, el Festival de Pezas dun Teatro do Porvir de la Asociación de Escritoras e Escritores en Lingua Galega, el 67.º Ourense Fervescénica del Festival Internacional de Teatro de Ourense...).

Como dramaturga, ganó en 2022 el Premio Abrente de Textos Teatrais de la Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia con A nunca vista; en 2021 el Premio de Microteatro da Memoria, convocado por la Diputación de Pontevedra y la ESAD de Galicia, por Un biolo na noite; y en 2019 el Premio Roberto Vidal Bolaño de Textos Teatrais, convocado por el IES Ribeira do Louro, el Concello de O Porriño y la Editorial Galaxia, por A sombra das árbores. En 2022 ganó también la beca de dramaturgia del Centro Dramático Gallego (CDG) con el proyecto Bailar no ceo y actualmente forma parte del equipo de la producción, también del CDG, Shakespeare en Roma, asumiendo la dramaturgia de Antonio e Cleopatra. Además, textos suyos han sido publicados por diferentes editoriales: Galaxia, Invasoras, Á Feria Edicións...; algunos de ellos acompañados por ilustraciones de la propia autora. También es doctora en Comunicación por la Universidad de Vigo con una tesis sobre la construcción de la presencia a partir del entrenamiento actoral.

Rut Balbís

(Ourense, 1979)

Creadora-coreógrafa, intérprete y docente en artes del movimiento, es licenciada en Ciencias de la Actividad Física y del Deporte, además de realizar el One Year Certificate in Contemporary Dance en The Place, Londres.

Dirige su propia agrupación Pisando Ovos desde 2004, con la que recibió el primer premio del XXI‍ Certamen Coreográfico de Madrid en 2007. La compañía cuenta con nueve creaciones con las que participa de forma habitual en las redes de teatros autonómicas y nacionales, así como en algunos de los festivales nacionales o internacionales más destacados del panorama actual de las artes vivas.

En paralelo a su proyecto con Pisando Ovos, colabora con otras compañías de teatro y danza en la dirección y asesoramiento de movimiento como con Las Tricotouses, Chévere, Traspediante, Voadora, Paula Quintas, Masamadre, Marelas Teatro, Aire no Ar, Sarabela Teatro, Pista Catro o el Centro Dramático de Galicia; y también como intérprete con Matarile Teatro, Iker Gómez, Lipi Hernández o Licenciada Sotelo.

Rut ha participado en diferentes proyectos audiovisuales como los de videodanza Danza na terra de Vilaboy, Katiuska de Antón Coucheiro, o el cortometraje Marcela e Elisa de Toño Chouza.

Como docente ha dirigido el Aula de Danza Normal de la Universidad de A Coruña durante trece años. Además, es integrante del colectivo RPM y ha sido colaboradora habitual de la sección de artes del movimiento del Diario Cultural de la Radio Galega.

En el año 2019 recibe el Premio de la Crítica de Galicia de las artes escénicas, en reconocimiento a su labor en la difusión y dignificación de la danza contemporánea en Galicia.

Verónica Moar Suárez

(A Coruña, 1978)

Ceramista y artista gallega, licenciada en Filología Inglesa y titulada en Cerámica Artística por la Escuela de Arte y Superior de Diseño Pablo Picasso (EASD) de A Coruña.

La práctica artística de Verónica Moar se caracteriza por diluir las fronteras convencionales de la cerámica y expandir sus posibilidades en campos como la escultura, la performance y la danza contemporánea. Estos diálogos entre las artes plásticas y las artes vivas desembocaron en un terreno híbrido y colaborativo con poetas como Antía Otero, dramaturgas como Gena Baamonde, performers como Helena Salgueiro y coreógrafas como Rut Balbís.

Ha realizado exposiciones individuales y acciones performativas en instituciones como la Fundación DIDAC, el Festival C o el Festival de Innovación Social: Ares Innova, además de participar en proyectos expositivos colectivos con carácter nacional e internacional en el Auditorio de Galicia, el Museo Gaiás, la Diputación de A Coruña, la Galería Ponce+Robles, la Porto Design Biennale o la Bienal de Cerámica de Aveiro. Ha impartido conferencias en ciclos organizados por la EASD Pablo Picasso de A Coruña, en el Festival Plataforma y en diversas jornadas educativas centradas en las enseñanzas artísticas, y fue seleccionada y premiada en certámenes como el Premio Artesanía de Galicia en 2015 o el XVI Certamen de Artes Plásticas Isaac Díaz Pardo. También ha participado en las Residencias Artísticas del Gaiás (REGA) 2021 y ha disfrutado de una estancia en el Centro Torrente Ballester, dentro del programa de residencias artísticas del Colectivo RPM. A su vez, fue becaria por el Ayuntamiento de A Coruña con una ayuda para la creación artística en el 2021/2022 y por la Fundación Pública Artesanía de Galicia para realizar una residencia artística en Aichi, Japón.

Su obra se encuentra en colecciones como la de la Fundación DIDAC o la de la Diputación de A Coruña.

Diana Bama

(Valencia, 1989)

Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia e hizo la Maestría en Artes Visuales por la Universidad Nacional Autónoma de México. Desde 2014 comienza un proyecto personal titulado “Ecofeminismo como proyecto de vida”. Para ella existe la necesidad de mostrar una práctica política cotidiana del ecofeminismo (concepto que aúna la ecología y el feminismo) desde una visión artística y con el empleo del recurso del dibujo como medio de expresión.

Artista multidisciplinar, plasma su trabajo sobre diferentes soportes y a través de distintas técnicas, y combina el campo del arte urbano, la escultura, el dibujo y el tatuaje. Convierte las paredes, calles y pieles en los paisajes de sus personajes.

Amaia Arrazola

(Vitoria-Gasteiz, 1984)

Amaia chega a Barcelona en 2010 despois de pasar algúns anos traballando no mundo da publicidade. Desde entón, desenvolve os seus proxectos creativos, alternando a ilustración publicitaria co debuxo editorial e cos traballos murais de gran formato. Nos últimos anos colaborou con numerosos clientes, participou en festivais de arte urbana, pintou murais en lugares próximos e afastados, deu charlas e conferencias e publicou varios libros, tanto para grandes coma para pequenas e pequenos.

En 2017 estivo en Matsudo (Xapón) grazas a unha bolsa artística de Paradise Air; daquela residencia naceu Wabi sabi (Lunwerg), onde narra as súas experiencias persoais no país nipón. No seu último libro, El meteorito (Lunwerg), conta o bombazo que supuxo a maternidade na súa vida, tanto a nivel persoal coma profesional. Con Simón (Flamboyant) estreouse como autora de álbum infantil, no cal aborda o tema da identidade para as e os máis pequenos.

Xela Marx

Es graduada en Filosofía por la Universidad de Barcelona (UB) y posee el título de profesora Feldenkrais, acreditado por la Eurotab. Se ha formado en la escuela lecoquiana de María del Mar Navarro en Madrid y ha participado, durante más de diez años, en los encuentros anuales del restringido grupo internacional de investigación pedagógico-teatral de Monika Pagneux.

Su trayectoria como actriz se ha desarrollado durante años con su propia compañía de investigación teatral MU Teatro, y en su etapa más reciente indaga, a través de solos, en la posibilidad de una mayor respiración en la relación actor-público. También ha colaborado con compañías estables y creadores como Ultramarinos de Lucas, España; Tafetá, Brasil; TSF, Reino Unido; Annabel Arden y Complicité, Reino Unido; y Aids- 3D, Alemania.

Además de su carrera profesional de actriz, ha desarrollado su labor como pedagoga desde el año 2001 tanto en cursos continuos de formación como de profesora de Movimiento Escénico en su propia escuela, en cursos monográficos en la Escuela Superior de Arte Dramático de Galicia en Vigo, en la Escuela Cubana de Mimo en La Habana, etc., y también ha participado en proyectos multidisciplinarios como las sesiones anuales con alumnado de Fernando Casás en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, o las conferencias en la Facultad de Filosofía de la UB en Barcelona y la Facultad Senai Cetiqt de Río de Janeiro.

Maya Estarque Marx

Su labor investigativa se centra en las hibridaciones entre arte, moda y cuerpo, contemplando vertientes como identidad, comportamiento social y consumo. Conferenciante sobre la relación entre arte y moda en la actualidad en Tenerife Espacio de las Artes (TEA) y MAC Coruña, entre otros.

Representa al Istituto Europeo di Design (IED) de Brasil como coordinadora del Grupo de Estudios Gestión y Negocios de Moda en el Coloquio Internacional de Moda de Brasil y como coordinadora del panel New-Semiotics of Fashion & Lifestyles en el World Congress of Semiotics en Grecia.
Doctora y licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo. Especializada en Diseño de Moda por Senai Cetiqt (Centro de Tecnología de la Industria Química y Textil) de Brasil. Miembro consultora de la Comisión de Derecho de la Moda (CDMD) de la Orden de Abogados de Brasil (OAB-RJ), y embajadora de la Female Tech Leaders.

Actúa como directora creativa y stylist de editoriales de moda y publicidad en Barcelona, Madrid, Río de Janeiro y São Paulo. Diseña vestuario de teatro para compañías y creadoras y creadores españoles coma Xela Marx, Hijas de Ananké, Mu Teatro y Captatio Benevolentiae. Pertenece a Res Design, un grupo de estudios y laboratorio procesual de moda, arte y diseño. Imparte talleres relacionando procesos creativos al cuerpo.

Neves Seara

(Ourense, 1983)

Artista multidisciplinar, trabaja la performance, la plástica, la fotografía y la escritura desde una perspectiva feminista. También desarrolla su labor como docente y gestora cultural con esa misma visión, además de gestionar eventos, comisariados, talleres creativo-didácticos para todas las edades con los que elabora pensamiento crítico, creatividad y también desarrolla una labor de facilitadora en el acompañamiento terapéutico a través del arte a personas en situaciones complejas. Lleva desarrollando el trabajo de la performance 18 años y participando en diversos festivales por toda España, Londres y Nueva York. Como artista ha expuesto también a nivel internacional en galerías y museos de Bruselas, Londres, La Habana o Madrid, además de por toda Galicia y a nivel nacional.

Selecciones y distinciones:

• Seleccionada para realizar un proyecto en Maison du Pilgrims en Bruselas, Premio del público Roteiro de Creación en el 2008
• Seleccionada una videocreación suya en el certamen Novos Valores en el 2004
• 2.º Premio en el Certamen de Artes Plásticas de Ourense en el 2013
• Premio Zona C para realizar una exposición individual en el 2016
• Seleccionada en el Auditorio de Galicia en el 2016
• Seleccionada como poeta finalista de Poetry Slam Compostela en 2019
• Seleccionada en el Auditorio de Galicia en el 2022

Elsa Pereira

(Oia, 1983)

Hace unos años que experimento, bailo, me muevo.

Viajé a Argentina y Chile en 2011 para formarme en clown y de 2012 a 2016 formé parte de una compañía de teatro aficionado con la que comenzó mi curiosidad por el movimiento. Todo esto, para quedar con mucho y partir hacia lo desconocido de la danza.

Recibo aulas regulares desde 2013, asisto a talleres y encuentros con los que reforzar mi técnica e interés por descubrir, por volver a encontrar. Me asomo al body weather siempre que puedo, subrayo los encuentros con Andrés Corchero y Yuko Kawamoto desde hace ocho años.

En 2018 me instalé en Oporto para realizar la formación avanzada en creación y coreografía (FAICC) que promueve la compañía Instável. Es en este contexto en el que presenté varias piezas de pequeño formato, entre las que destaco Ingrain, trabajo para cuerpo, luz y sonido que interpreto y codirijo con Pedro Galante.

Colaboro con la Facultad de Arquitectura de Oporto, en el inicio de una investigación sobre el trabajo de espacio y luz del arquitecto Álvaro Siza, para la que creé la Peza para corpo e corredor de luz. La investigación continúa y trasladé este trabajo al CGAC con la creación de la pieza audiovisual Siza(s) dentro del marco del Festival Kino Galicia 2020.

Frecuento locales sociales y también la Escuela Superior de Música y Artes Escénicas (ESMAE), donde descubrí el forró y reconecté con el jazz como danzas complemento, y transversalizo mi formación en contemporáneo con el sudor de los cuerpos que danzan fuera de las aulas. De vuelta en Galicia sigo haciéndome muchas preguntas y profundizo en mi investigación sobre el movimiento con la metodología asymmetrical motion creada por Lucas Condró.

Para investigar con mi cuerpo y el de las y los demás, guío desde 2017 un laboratorio de movimiento en el que cuerpos diversos me enseñan que la danza está, existe y nos habita a todas las personas por igual.

En 2020 comencé el proceso de creación de Casa pequena, que presenté en formato corto en noviembre de 2021 en el Centro Sociocultural O Ensanche de Santiago de Compostela como muestra del trabajo realizado en residencia en este espacio.
En la actualidad sigo impartiendo aulas, colaboro con artistas y riego mis plantas para que crezcan fuertes.

Lily Brick

(Lleida, 1990)

Mireia Serra, el alter ego de Lily Brick, estudió el grado superior de Diseño Gráfico en la Escuela de Arte Municipal Leandre Cristòfol de Lleida. A los 24 años despertó su interés por el arte en la calle; antes, su trabajo se había centrado en la cartelería, la expresión gráfica, la publicidad y el diseño de productos.

Siete años más tarde, el muralismo se ha convertido en su oficio. Más de 400 obras en lugares muy diferentes del mundo llevan la firma de Lily. Entre sus piezas más destacables cabe mencionar los grandes murales que ha realizado en Penelles, Juncosa, Granadella, Alcarràs, Tremp, El Cogul y también otros numerosos proyectos de muralismo en Barcelona, Linares, Ferrol, Santiago de Compostela, Málaga o Murcia, donde expuso en el Museo de Bellas Artes (MUBAM).

Lily tiene la marca de haber realizado el mural más grande en España, hecho por una mujer sola. También ostentaba la anterior marca, que recientemente ha superado con el mural para Nou Transport (Lleida) y que cuenta con una superficie de 750 m².

En 2017 inició la internacionalización de su pintura en Francia, con su participación en el proyecto “Hotel 128”. Posteriormente surgieron múltiples proyectos, entre los cuales destacamos murales en Gambia, en Países Bajos en la Agencia Espacial Europea y en The Hague Street Art Festival, en la India en el Techfest IIT Bombay, en Suecia, en Hamburgo y Hannover (Alemania), en Saidia (Marruecos) y en Lancaster (California, EUA).

De sus murales llama la atención su trabajo sobre mujeres con mirada fuerte e intensa. Desde su introducción en el mundo del arte urbano, las principales técnicas que ha desarrollado han sido el spray, la pintura acrílica, los pinceles y los rodillos.

Comadres Matrioshka

Currículum

Matrioshka Teatro es una compañía teatral que nace en el año 2013 de la mano de tres actrices: Chelo do Rejo (A Estrada, 1961), Lorena Conde (Ponte Sampaio, 1980) y Anabell Gago (Fráncfort, 1974), para hacer un teatro donde las intérpretes estén en el centro de la creación. Apostamos por lenguajes mezclados que transitan entre el teatro más clásico y el más contemporáneo. Creamos dramaturgias a pie de escena sin dejar de lado una estética cuidada, el sentido del humor, la frescura y la naturalidad de un diálogo abierto con el público. Hacemos un teatro que muestra de dónde venimos y nos orienta hacia dónde vamos. Nos alimentamos de nuestra experiencia y del legado de las generaciones que fueron antes que nosotras, reposamos lo vivido y lo compartimos con las personas que, como nosotras, pensamos en las que estamos y las que vendrán. Mujeres que luchan y cobijan, igual que nosotras hemos sido defendidas y cobijadas por otras.

Obra

Comando comadres en acción es un espectáculo breve creado a partir del espectáculo teatral Comando comadres dirigido y cocreado por Gena Baamonde (Ribeira, 1970), en el que junto a la actriz y cocreadora María Ángeles Iglesias (Buenos Aires, 1972), y a través del humor, un grupo de activistas organizadas por comandos ataca las múltiples manifestaciones de la violencia sexista y cuestiona la persistencia de sus valores en el pensamiento hegemónico actual. Mujeres preparadas para los encargos más peligrosos llevan a cabo incursiones en el territorio enemigo para poner luz sobre la injusticia y volver airosas de la misión, que es la de crear una red de comandos a nivel mundial para rendir homenaje a todas las heroínas de cada día, a las mujeres invisibilizadas y a la historia oculta de nuestro pasado.

Nerea Brey

(Lalín, 1987)

Actriz, docente de arte dramático, creadora escénica, violinista y narradora oral. Titulada en Interpretación por la Escuela Superior de Arte Dramático de Galicia, también realizó el Máster en Artes Escénicas de la Universidad de Vigo. Actualmente interpreta el papel de María Casares en la producción teatral Despois das ondas, de ButacaZero (2019), y en las visitas teatralizadas a la Casa-Museo Casares Quiroga del Ayuntamiento de A Coruña. Asume varios personajes en la obra O péndulo (2022) de Inversa Teatro. Forma parte del elenco de Soga e Cinsa (2021) de Aporía Escénica, compañía con la que también llevó a escena 6 cubos negros en corpo branco (2017). Trabaja con Abismo Caracol y protagoniza la obra Entelequias (2020) e interviene en la película El cuarto de mona (2021). Su experiencia en el audiovisual incluye también el film O bosque de Levas, de Ficción Producciones (2007), y 13 exorcismos (2022), de Atresmedia Cine y Bambú Producciones. Cabe destacar, además, su participación en los espectáculos de la compañía Feira do Leste: Exilio das moscas (2016) y Tras Tannhäuser (2018), esta última beneficiaria de las ayudas Creación Joven del Injuve.

Ha estado en las escuelas Espazo Aberto y Estudio Juan Codina, y ha ampliado su formación en cursos con diferentes docentes como Alfredo Sanzol, José Sanchis Sinisterra, Marta Pazos, Laila Ripoll, Jorge Coira, Fernando Soto, David Luque, Carla Calparsoro o Daniel Abreu, entre otros.

Miriam Rodríguez

(Mos, 1984)

Es licenciada en Ciencias Políticas por la Universidad de Santiago de Compostela en 2008 y técnica superior de Realización Audiovisual y Espectáculos por la Escuela de Imagen y Sonido de Vigo (EISV) en 2010. En sus comienzos se interesa por el documental; ejemplo de ello es su primer trabajo, el corto de investigación sobre la panificadoray el patrimonio industrial, que será proyectado en diversos festivales, como en el Culturgal de 2010. Con Home cobaia, falso documental que codirige junto a la creadora Ale Cid como trabajo de fin de ciclo, consigue el Premio Curtocircuíto de Escolas Galegas y también el Premio del Público de la EISV.

Su experiencia pasa por cámara, edición y auxiliar de producción en productoras como Ficción, Panorámica y Niños Grandes.

Gana en 2012 el 1.er premio en la modalidad de microvídeos del Día Internacional contra la Violencia de Género, organizado por la Concejalía de Igualdad del Ayuntamiento de Vigo, con un vídeo narrado en el que emplea diferentes técnicas. Es aquí cuando se interesa por el videoarte.

En el 2014 recibe el premio Xuventude Crea de videocreación con el vídeo Mareas. Comienza así a experimentar con la videopoesía, y crea el colectivo Fiinda junto con el poeta Xabier Xil y el director de fotografía Pablo Kaufmann. Algunos videopoemas, como Velaquí o texto, Mira a miña pel o Es, recibieron el premio de la Asociación Socio-Pedagógica Gallega en diferentes categorías.

En 2018 comienza a desarrollar trabajos de videocreación para escénicas, con compañías como Berrobambán o A Artística. Recientemente ha trabajado con A Quinta do Cuadrante y Ainé Producións con vídeos para la obra Continente María,que se encuentra ahora mismo en salas. Asimismo, crea visuales en vivo para eventos musicales como las Sesiones H. A. L. O., la presentación del sello de música electrónica Valiso el concierto aniversario de la Banda Crebinsky.

Ha participado en obras del Colectivo Limites, como Limites manifesta,creada para el Play Doc 2020, o Trigémio,para la Binnar de Vila Nova de Famalicão en 2021. En 2020 también participó como artista invitada en la nueva sección del Play Doc “Noites á deriva. Cinema percorridos” con la pieza A pía.

En 2021 recibe la beca Residencias Paraíso para la investigación y creación de la pieza Memorias danzantes con la bailarina Olga Cameselle.

Sofía Espiñeira

Creadora y artista multidisciplinar. Desde hace casi una década desarrolla su trayectoria escénica en torno al circo, el teatro, la danza y la música, trabajando en diversas compañías y proyectos propios, pero es en la música donde encuentra su proyecto más personal.

Composiciones originales con tonalidades de raíz y un lenguaje propio y genuino son la esencia de este proyecto, que nace en el 2016 tras resultar ganadora del II Certamen de Canción de Autor del Ayuntamiento de Teo, premio que le permite lanzar su primer disco: Alá onde agroman as herbas. Nueve temas llenos de naturalidad y frescura que entrelazan el humor, lo íntimo y lo social en un mismo tapiz y que la autora dará continuidad en un próximo trabajo con el que girará en 2023.

En su camino encontramos festivales como el Agrocuir de A Ulloa o el Revenidas, así como colaboraciones con artistas como A banda da Loba, Belém Tajes o el escritor Antón Cortizas y su iniciativa de libro-disco O colo das palavras, donde participan artistas como Guadi Galego o Tanxugueiras. Recientemente ha sido finalista en los Premios Martín Códax de la Música 2022.

MJ Pérez

Es una cantautora gallega que bebe de diferentes estilos, con el predominio del pop-rock en sus primeros álbumes y con un giro hacia sonidos más latinos y música de raíz en su último disco. Suma casi 200 conciertos por toda Galicia y Portugal.

Su trabajo discográfico está formado por cuatro álbumes: Ollos que non ven, síntoma de cegueira; Guerrilleira; Casandray A luz prendida, todos ellos autoproducidos. A esto se suman diversas colaboraciones con otros artistas dentro y fuera del escenario, y algunos sencillos.

La artista pasó ya por festivales como el Noroeste Pop Rock, el Festival do Queixo o el Festival Armadiña, así como por los principales circuitos de conciertos del panorama gallego. Fue finalista del I Certamen de Canción de Autor de Teo y consiguió un segundo puesto en el VIII Concurso Musical de la Diputación de A Coruña. Obtuvo el primer puesto en el Xuventude Crea 2017 y fue finalista de los Premios Martín Códax de la Música en los años 2019 y 2020, en los que resultó premiada en el 2021 en la categoría de canción de autor/a.

El pop-rock, ritmos latinos y música de raíz se combinan con otros géneros musicales en este proyecto donde MJ emplea la música como medio de expresión y el trabajo constante como clave para crear y avanzar en este camino.

En este 2022 MJ lanzó un nuevo sencillo, Coma Villanelle, que marca otro punto de inflexión e innovación en su música y creación, seguido de un verano lleno de conciertos, donde ha pasado por escenarios importantes como el del Armadiña Rock, Trece Roeis Fest o Festiletras. Ahora prepara nuevos temas que espera presentar entre 2022 y 2023.

Margarida Mariño

(Vigo, 1990)

Licenciada en el Conservatorio Superior Liceo de Barcelona, la trayectoria de Margarida Mariño se extiende por la exploración de los límites sonoros y estéticos del violoncello, que la llevan a experimentar con géneros donde su instrumento no es tan común, como la improvisación libre y el jazz, la música espontánea y la experimental, la electrónica o la música tradicional gallega. Ha formado parte de diferentes agrupaciones como la Orquesta Ressonance (Suiza), La Via dei Concerti(Italia) o la Filarmonía de Galicia. En 2015 fue galardonada junto a Su Garrido, con la que forma el dúo Treme, con el Premio Música Xovea la mejor banda gallega. En el año 2018 fue solista de Pulcinella, producción del Teatro Real.

Tiene dos trabajos discográficos publicados con el multiinstrumentista Fernando Barroso: Silence Lovers Club (2018) y Xograr (2020); además de Eixos cromáticos (2020) con el trío de música clásica y contemporánea y de Límbico (2021) con el quinteto de jazz homónimo.

Ha compuesto e interpretado música original para cine, entre las que destacan la banda sonora del cortometraje Puzzle, de Nicolás Ferglez, la del cortometraje Unha illa no medio do mar de Alberto Montull o el espectáculo de danza Good Luck de Alfonso Rivera. En febrero de 2020 presenta su trabajo en solitario Cello & Electronics, en el que fusiona el violoncello clásico con la electrónica. El proyecto se presentó en el WOSFestivaly ya ha recorrido auditorios y salas como Prinsenkwartier de Delft, Onder aan de Dijk de Róterdam, el Teatro Colón de A Coruña, la Cidade da Cultura de Santiago de Compostela o el Auditorio Conde Duque de Madrid.

Laura Iturralde (Laura R. Iturralde)

(Vigo, 1984)

Técnica superior en Imagen y en Gráfica Publicitaria y titulada superior en Arte Dramático en la especialidad de Escenografía, finalizó en 2017 el Máster en Profesorado.

Dentro de sus trabajos podemos destacar la dirección artística de Terra, del grupo gallego Tanxugueiras, para el festival de Benidorm —actuación que consiguió el 70 % de las votaciones del público y que contabiliza casi cinco millones de visualizaciones en YouTube—, o el diseño de iluminación y videoescena de Fariña, producción teatral vista ya por más de 50.000 personas. Trabaja como iluminadora, escenógrafa y videocreadora con múltiples proyectos escénicos, con artistas como Mercedes Peón o Brigitte Vasallo y compañías como A Quinta do Cuadrante, el Centro Dramático Gallego, Cía. Borja Fernández o Pálido Domingo. Desarrolla también su trabajo más personal en los proyectos de música con visuales como Corvax y en instalaciones como Fenda o Centinela.

Recibió en 2018 el Premio María Casares a la mejor escenografía por su trabajo en Resaca (ilMaquinario) y en 2019, 2020 y 2021 consiguió este mismo galardón en la categoría de iluminación por Invisibles (Redrum Teatro), O empapelado amarelo (A Quinta do Cuadrante) y Bailar agora (Marta Alonso Tejada), respectivamente. Recibió también en 2021 el Premio Rogelio de Egusquiza, de la Asociación de Directores de Escena de España, por la iluminación de Fariña, de Ainé Producións. Suma así un total de cinco premios y nueve nominaciones en los últimos cuatro años.

Explora desde 2016 la línea del live cinema y las visuales a tiempo real a través de cámara en vivo y participa con proyectos como Lorca namorado; Oh, rosas vivas!; Vesalii Icons del TAC; Trilitratey Nostoc. Combina su actividad en las artes vivas con la docencia e imparte en diversas entidades cursos vinculados a la creación de videoescena y la iluminación para espectáculos y ejerce de docente de Iluminación de forma temporal en la Escuela de Arte Dramático de Galicia. Desde 2022 es vocal gallega de la Asociación de Autores de Iluminación, entidad dedicada a la obtención del reconocimiento de la figura de diseñadora o diseñador de iluminación.

Monica Mura

(Cagliari, 1979)

Artista interdisciplinar, performer y artivista. Su trabajo analiza las relaciones entre memorias, géneros e identidades y tiene como punto de partida su investigación sobre los paradigmas de poder y control social y político, en el ámbito de lo íntimo, lo privado y lo público. Ha sido seleccionada en convocatorias entre España, Italia, Portugal, Bélgica, Dubái, Ecuador, Argentina y Costa Rica, en las cuales ha recibido premios, becas y residencias. Ha llevado a cabo sus acciones y ha expuesto en espacios claves del arte contemporáneo y en instituciones de prestigio como el Museo Thyssen-Bornemisza; ARCO Madrid; JUSTMAD; Sala Alcalá 31; Museo Vostell Malpartida; CGAC; Museo Centro Gaiás; Bienal de Arte de Cerveira; Museo José Malhoa Caldas da Rainha; Sala Dogana Palacio Ducal Génova; Fiber Art Cerdeña; o MIA Anywhere Dubái, entre otros. Su trabajo (fotografía, paisaje sonoro, vídeo, instalación, arte de acción, arte digital...) ha sido presentado en festivales, ferias, seminarios y congresos como el Congreso Internacional Re-Pensar los Museos (Thyssen); Fugas e Interferencias: Congreso Internacional de Arte de Acción (CGAC); Seminario Permanente de Comunicación y Género CO(M)XÉNERO (USC); Congreso de Arte de Acción (UCM); Congreso de Género, Museos, Arte y Migración (Rede Museística Provincial de Lugo); Festival de Arte Contemporáneo OBERTURA (Madrid); Festival Miradas de Mujeres (M.AR.CA.); ARTSevilla; Cultur3 Club Gijón; WOS Festival (Cidade da Cultura de Galicia); PLATAFORMA festival de artes performativas o Culturgal, entre otros. Sus obras han sido publicadas en artículos de crítica, tesis, catálogos y retransmitidas en programas como La aventura del saber. LaBolsa de TVE. Desde el 2021 cuenta con su propia galería virtual. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, entre las que destacan los fondos del Museo Provincial de Lugo, el MAC Fundación Florencio de la Fuente de Huete (Cuenca) y el Museo MARATÈ de Isili (Cerdeña). Ganadora del premio XXV Mostra Art Públic-Universitat Pública de la Universidad de Valencia.

María Bueno

Es una artista malagueña, criada entre Marruecos y Andalucía, con estudios en Filosofía y Bellas Artes por las universidades de La Laguna (Iilas Canarias), Alameda (California, EUA) y la Escuela de Bellas Artes de Toulouse (Francia) respectivamente. La práctica artística de Bueno surge a lo largo de una trayectoria de veinte años en la que explora la pintura y el dibujo a través de exposiciones individuales y colectivas, colaboraciones, publicación de libros, comisariados y proyectos educativos. Gracias a dichos formatos, la artista establece una práctica consciente y comprometida que versa sobre la memoria individual y colectiva.

El interés de Bueno por los procesos creativos la lleva a generar diálogos con personas provenientes de diferentes contextos y edades, lo que le permite reflexionar sobre aspectos ligados a la identidad, la transformación y la reparación.

En palabras de la historiadora y comisaria Marta Mantecón, “la transferencia de saberes y haceres entre mujeres es parte del aprendizaje feminista. María Bueno construye su imaginario en relación con los demás, expandiendo la red afectiva y su potencia sanadora. Le gusta mezclar procesos, tejer complicidades, hacer en común e integrar lo ajeno, pero también lo propio. Toda su práctica artística pone de manifiesto que las formas de conocimiento que se transmiten de generación en generación no se pueden cuantificar, pesar o medir, ni se rigen por la lógica del beneficio inmediato, son el legado más valioso. Nuestra herencia está hecha de memoria”.

Desde el inicio de su carrera, María pone en el centro de su obra a las personas y, muy en especial, a la mujer como figura de lucha; resiliente y creadora. Es por ello que para la artista es crucial tejer alianzas y un sostén mutuo, bajo la premisa de hacer de este mundo un lugar mejor. Su labor comprometida ha sido recogida en The New York Times.

Montse Piñeiro

(Pontevedra, 1990)

Experimenta con la luz, el volumen y la imagen en movimiento en proyectos de distinta naturaleza.

Se forma como escenógrafa e iluminadora en la Escuela Superior de Arte Dramático de Galicia y la Escuela Superior de Música y Artes del Espectáculo de Oporto, y trabaja en los años siguientes para producciones de compañías e instituciones gallegas y estatales como Sarabela, ilMaquinario, Cía. Diego Anido, Centro Dramático Gallego o Teatro Nacional de Cataluña. Durante estos años también participa en diversas colaboraciones en directo con músicos como Luz Prado, Mateo Mena, Macarena Montesinos, Ensemble Galería y actualmente realiza visuales de animación en vivo con el grupo Trilitrate.

De manera paralela se forma también en los ámbitos de la ilustración y el diseño gráfico, y trabaja desde 2014 como ilustradora profesional.
En 2016 comienza los estudios oficiales de Cerámica en la Escuela Municipal de Artes y Oficios de Vigo. Tres años más tarde presenta el proyecto “Alifáfaro”, en colaboración con el músico Rubén Abad, en el que mezcla la cerámica, la animación estroboscópica y la técnica del movimiento pausadopara crear una serie de piezas musicadas. Su trabajo ha sido proyectado en festivales como Another Way Film Festival, Festival de Cine Silente de Ciudad de México, Lisbon Film Rendez-vous, Curtas Armadiña, Lift-Off de Londres, Bang Awards Portugal, Chaniartoon de Creta, Primavera do Cine, Festival de Animación Laboral, La Guarimba Calabria, FIC Bueu o Festival de Cans.

En 2020 recibe una beca de la Fundación para las Artes Cerámicas Archie Bray de Montana para continuar su investigación en los campos de la cerámica y el audiovisual, con la que realiza una serie de esculturas animadas a través de la luz.

Sus piezas están muy influenciadas por las ideas de autómata, el teatro de marionetas, los juguetes de animación de finales del siglo xix y el diseño de personajes de la animación rusa de los años 60 y la norteamericana de los 90.

Cristina L. Bolívar

(Granada, 1984)

Iluminadora y creadora escénica, desarrolla su trabajo principalmente en el campo de la performance y la danza contemporánea, desde el diseño de iluminación y la creación audiovisual.

Licenciada en Comunicación Audiovisual con la especialidad de Cine y Fotografía por la Universidad de Málaga y formada en Iluminación en la Escuela de Artes Escénicas de Andalucía, a partir de 2007 empieza a trabajar en la iluminación y los audiovisuales de diferentes espectáculos de música.

En 2010 comienza la licenciatura de Antropología en la Universidad de Granada e inicia su colaboración en la creación de iluminación, escenografía y audiovisuales del Grupo de Teatro Universitario, dirigido por Sara Molina. Desde dicho año, y a caballo entre Madrid y Granada, su trabajo se concentra por completo en la creación de iluminación y audiovisuales para teatro, performance y danza contemporánea. Finaliza la licenciatura en 2015 en la Universidad de Lyon (2015-2016), con un trabajo de investigación sobre la antropología del cuerpo.

Desde 2012 trabaja entre Madrid, Granada y Vigo con artistas y compañías como Tania Arias, Cía. Daniel Abreu, Elena Córdoba, La Tristura, Sara Cano, Poliana Lima, etc. Ha creado diseños de iluminación o visuales para Sara Molina, Hurycan, Camille Hanson, Teatro de Açúcar, El Bailadero de Mónica Valenciano, Cía. Janet Novás, Carlota Mantecón, Altraste Danza, Luz Prado, Les Myrtilles, Mucha Muchacha, entre otras compañías, y ha participado en una larga serie de encuentros y procesos de creación. En 2020 diseñó la iluminación para la exposición “Trémula” del artista plástico Javier Cruz, y en el 2021 codiseñó la iluminación de la exposición anual “Dialecto” junto a la iluminadora Irene Cantero, ambas en el Museo Ca2M de Móstoles (Madrid).

Carmen Conde

Carmen Conde es filóloga por la Universidad de Santiago de Compostela y dramaturga y guionista por la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) de Buenos Aires. Contadora con funciones en las dos orillas del Atlántico, es autora de relatos breves para público infantil y adulto, humorista de comedia unipersonal con varios espectáculos desde 2004 y narradora oral autora de Premios Darwin, ganadora del premio a la mejor comedia por parte de Hipócrita Teatro, y de Tabú, actualmente en gira (entre otros espectáculos).

Guionista en Dama Negra Films (cortometrajes de ficción) y docente teatral en la Asociación de Daño Cerebral de A Coruña (ADACECO) hasta enero de 2019. Cofundadora de Tarabela Creativa junto a Diego Gallego, desde donde crean no solo formatos escénicos sino también audiovisuales, como la miniserie web Premios Darwin y la serie digital Quéreme soar!, además de la dirección artística, guion y presentación de la novena edición de los Premios Martín Códax da Música Galega. Profesora de Arte Dramático y directora de la Compañía de Teatro USC-Campus de Lugo en el curso 2020/2021. Autora de la obra A emperadora para la representación de la compañía universitaria. Desde 2009 imparte talleres de relato breve, poesía, microrrelato y narración oral.

Participó en el III Torneo de Dramaturgia de Galicia, ganó el Slam Zona Norte de Poesía Oral en Buenos Aires (2015), la primera edición del Slam Poetry Compostela (2018) y el slam del II Festival Alguén que Respira, también en Santiago de Compostela (2019).

Vero Rilo

Es narradora oral y educadora. En sus inicios, encaminó su trayectoria formativa hacia el campo de los servicios a la comunidad y se tituló como técnica superior en Integración Social y más tarde en Educación Infantil. Además, combinó con estudios iniciales en lengua de signos la titulación de Monitora de Tiempo Libre, e hizo un pequeño recorrido por las facultades gallegas para interesarse por la audición y lenguaje y la educación física.
 
Fue trabajadora, a partir del 2010, en la Rede de Escolas Infantís de Galicia “Galescolas” y decide, después de tres años, marchar del proyecto para sumergirse en el mundo de la narración, ámbito que ya venía investigando en los ámbitos del aula y la escuela. Aun así, no pone fin a su recorrido por la educación formal y comienza una nueva andadura como educadora de la Rede de Escolas de Ensino en Galego “Semente” desde el 2015 hasta el 2018, para después sumergirse por completo en el universo narrativo.

Del 2010 al 2018 combina el trabajo de educadora y narradora. Se forma con importantes referentes de la narración oral gallega e internacional como Charo Pita(a quien le agradece que fuese su inicio), Tim Bowly, Quico Cadaval, Pepito Mateo, Nono Granero, Paula Carballeira, Rodorín, Pablo Alboo SoledadFelloza, y asiste a las escuelas de verano AEDA en los años 2015, 2017, 2018 y 2019. Cursa dos años de formación actoral con Carlos Neira, en el centro Espazo Aberto en Santiago de Compostela, y de formación regular en improvisación teatral con los maestros Antón Coucheiro y Alfonso Lupo. También realiza un taller de interpretación a cámara con Alfonso Zarauza. Recibe clases de técnica vocal con Pablo García Ferradás y Cristina Domínguez da Pena. Vero Rilo nunca, por más que lo intente en estos años, aprende a tocar la pandereta.