CESTOLA – XOANA ALMAR Y MIGUEL PERALTA

O Grove y Santiago de Compostela

Cestola se define como una cooperativa de trabajo asociado, sin ánimo de lucro, que se mueve principalmente en los ámbitos de la pintura y la divulgación de una economía al servicio de las personas. Desde ella se realizan ilustraciones, cuadros y reproducciones, murales, diseños, formación relacionada con la economía social y solidaria, y dinamización participativa y acompañamiento.

Xoana Almar (O Grove, 1983). Soy licenciada en Economía por la Universidad de Santiago de Compostela y en Antropología Social y Cultural por la Universidad de Granada.

Me dedico a la pintura desde 2008, aunque es algo que llevo haciendo toda mi vida. En ese año conocí a mi compañero de profesión, Miguel Peralta, y desde entonces trabajamos juntos en muchas ocasiones. Encajamos y seguimos creciendo tanto en ese lenguaje común como en el propio de cada uno. Puede parecer que mis estudios no tienen nada que ver con mi profesión, pero la economía, la política y la antropología son temas en los que intento seguir formándome y que influyen en mis obras. En 2013 formamos Cestola na Cachola, una cooperativa de trabajo asociado entre Miguel Peralta, Raquel Doallo y yo. Miguel y yo nos dedicamos a la pintura, a la ilustración y al muralismo; Raquel, a temas formativos y de acompañamiento de empresas de la economía social. En el 2020 Raquel dejó de ser socia trabajadora para convertirse en colaboradora, y cambiamos el nombre a Cestola. Ahora nos centramos exclusivamente en la pintura, la ilustración y el muralismo. Hoy los murales son nuestra principal actividad, y trabajamos tanto en ciudades como en aldeas y municipios del rural. 

www.cestola.org

Actuación

Título: “Surcos”

Xoana Almar (O Grove) y Miguel Peralta (Almería)

Lugar: la casa de la Comunidad de Regantes de Vide

Disciplina: intervención mural con técnica de esgrafiado

Proyecto:

SURCO

1. m. Hendidura que se hace en la tierra con el arado.

2. m. Señal o hendidura prolongada que deja una cosa que pasa sobre otra.

3. m. Arruga en el rostro o en otra parte del cuerpo.

4. m. Estría en espiral de un disco fonográfico.

SURCAR

1. tr. Hacer surcos en la tierra al ararla.

2. tr. Hacer en algo rayas parecidas a los surcos que se hacen en la tierra.

3. tr. Ir o caminar por un fluido rompiéndolo o cortándolo. Avanzar por aire o agua. Surca la nave el mar, y el ave, el viento.

Elegir trabajar sobre las grietas y los surcos estuvo motivado porque estamos interviniendo en la casa de la Comunidad de Regantes de Vide.

El surco en la tierra lleva agua y, con ella, fertilidad y vida. Se trata de una representación simbólica de este tipo de organización de los recursos de carácter milenario que planifica el agua para regar, para hacer la tierra fértil; una búsqueda del bien común, una representación de la unión mediante el agua de la gente comunera, una metáfora de la unión en el trabajo que canaliza la energía por un camino para conseguir un fin. Intervenir en un espacio para que las cosas tomen una dirección, para que ocurran otras nuevas. Pero también nos interesa el surco como arrugas, marcas del paso del tiempo, la historia que se percibe en este espacio. Una placa en su entrada nos indica que esta casa es el lugar de la Comunidad de Regantes de Vide, fundada en 1905, de las más antiguas de España, pero esta también fue un centro social donde se proyectaban películas de bobina y que contaba con una pequeña barra de bar.

La técnica que emplearemos en este trabajo es fundamental en la obra: el esgrafiado.

Esta es una casa pequeña con unas paredes deterioradas recubiertas de arena, cal y agua, los mismos materiales del esgrafiado, por lo que nuestro trabajo será una rehabilitación del espacio empleando los mismos materiales tradicionales con la que se hizo.

Tras la limpieza y el preparado de la pared, aplicaremos dos capas de masa (arena, cal y agua), a las que añadiremos diferentes pigmentos minerales para que, al rascar, se perciba el volumen y el cambio de color. Representar los surcos rascando, grabando en la pared.

Esperamos que este trabajo ayude a revalorizar y a dignificar este espacio lleno de memoria.

NUVI & ÉXFICO – NURIA VILLA Y ALBERTO BRANDÓN

O Rosal y A Guarda

NUVI & éxfico es un proyecto colaborativo de ilustración formado por Nuria Villa (artista multidisciplinar) y Alberto Brandón (diseñador gráfico), gallegos y residentes en A Guarda (Pontevedra), desde donde crean las obras que los teletransportan a una existencia plena.

Desde muy joven, Alberto tuvo clara su pasión por el campo del diseño gráfico y el marketing; lo analizaba prácticamente todo, y sigue haciéndolo. Pintaba en sus libros, cuadernos y en la mesa de clase con logotipos, tipografías y claims. Más tarde, el punk rock californiano y el monopatinaje aparecieron en su vida; la estética de las bandas y marcas de ropa lo marcaron para siempre. Con formación en Diseño Gráfico, se dedica profesionalmente a este campo desde 2007. Ha trabajado para varios estudios y agencias, en los que ganó experiencia en el terreno textil diseñando especialmente piezas de merchandising y equipaciones deportivas, y desarrollando su marca de ropa, Éxfico Clothing.

Nuria se define como una multitasking girl (chica multitarea). Viene de la rama de las bellas artes y afronta sus trabajos como proyectos, para los que usa las diferentes técnicas y herramientas que tiene a su alcance: fotografía, ilustración, murales y obra gráfica, entre otras. En su faceta más artística ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en España, Portugal, Alemania y Japón, y ha sido seleccionada y galardonada en varios premios a nivel nacional. Gracias a la beca Pilar Juncosa & Sotheby’s en 2012 disfrutó de una estancia de un mes en Japón, donde aprendió la estampación tradicional japonesa mokuhanga, entre otras técnicas. Desde 2013 compagina su trabajo como fotógrafa con el de ilustradora en NUVI & éxfico.

Como NUVI & éxfico, Nuria y Alberto desarrollaron proyectos para diferentes marcas, instituciones e iniciativas, además de su obra cumbre hasta la fecha: el mural A Guarda escrita nas estrelas, en el dique del puerto de A Guarda. Entre sus trabajos más destacados se encuentra la campaña de Navidad 2020 de Turismo Santiago de Compostela, para la cual, de la mano de Correveydile y junto a diferentes artistas, ilustraron la fachada de la Casa da Conga en la plaza de A Quintana con un vídeo mapping. En formato papel, sus diseños e ilustraciones formaron parte de los calendarios de Abanca de 2017 y 2020; de la portada del libro El mal sin cura de la Costa da Morte, SCA36, de Manuel Rey Pan, de la editorial Libros.com; del diseño integral del álbum Resplandor, del grupo vigués Maryland, de la discográfica Subterfuge Records: y del libro IlustraDots Vol.2. 50 nuevos ilustradores gallegos, un proyecto de la revista Dot, para la que también ilustraron la portada de uno de sus números. Dentro de su portfolio destaca la participación en la “Muestra Internacional de Ilustración Contemporánea” (MiiC) en 2017 y 2019, que tuvo lugar en Santiago de Compostela.

www.exficoconceptstore.com/nuvi-exfico/

Actuación

Nuria Villa (O Rosal) y Alberto Brandán (A Guarda)

Lugar: entorno de la plaza/jardín del barrio de Miranciños

Disciplina: pintura mural, pintura

Proyecto:

La intervención se centra en representar el espíritu de Vide desde dos puntos de vista: el primero, su vinculación al agua, ya que es una localidad entre ríos, el Termes y el Miño; y el segundo, su unión vecinal, que hace que se celebren múltiples fiestas y actividades culturales coordinadas íntegramente por la población local a lo largo del año. Para ello, en el mural se representa un río que abraza ambas orillas con las manos en sus extremos; en él los ríos abrazan al pueblo de Vide y, a la vez, al espíritu vecinal, que les da la bienvenida a las y los visitantes. Alrededor del río, en las orillas aparecen diferentes iconos que representan las actividades y las fiestas de la aldea, donde también crecen los cultivos de la zona.

Una parte muy importante situada en un lateral del mural es un juego de palabras utilizado como lema: “Vive Vide, Vide vive”. “Vive Vide” es la cálida invitación que las vecinas y vecinos les dan a las y los forasteros para vivir la experiencia de Vide y unirse a ella. “Vide vive” hace referencia a que este pueblo desborda vida. 

ANA SOLER BAENA

Sevilla y Vigo

Ana Soler (1972, Sevilla). Residente en Vigo.

Artista multidisciplinar, doctora en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Desde el 2000 es docente e investigadora en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y también directora del grupo de investigación dx5, digital & graphic art_research, de la Universidad de Vigo. Ha obtenido distintas ayudas, como la Beca Fenosa para la Creación Artística en el Extranjero (Japón) o la Beca Academia de España (Roma), y recibido numerosos premios y menciones, entre los que es necesario destacar el Primer Premio Lexus UX Art Car, el primer premio de la muestra colectiva “La palabra pintada. Libros de artista” de la Fundación Ankaria (Madrid), el de la Bienal Iberoamericana de Obra Gráfica, el Premio Arte Digital Lumen-Ex (Cáceres), el Premio Nacional de Grabado de Calcografía Nacional (Madrid), una Mención de Honor en la Bienal de Lieja (Bélgica), el primer premio de Generación 2001 de CajaMadrid, y el premio de la 10.ª Bienal Internacional de Grabado de Seúl (Corea). Su obra está presente en la escena artística contemporánea nacional e internacional. Asimismo, participa en diferentes cursos, congresos y conferencias.

Proviene del mundo del diseño gráfico y está especializada en obra múltiple contemporánea; además, desarrolla su actividad profesional como artista realizando complejas instalaciones tridimensionales.

www.anasolerbaena.webs.uvigo.es

Actuación

Título: “Meta_Muro”

Ana Soler Baena (Sevilla, residente en Vigo)

Lugar: varias intervenciones en los diferentes lugares/barrios de la parroquia de Vide

Disciplina: 12 instalaciones con azulejos

Proyecto:

La propuesta se contextualiza bajo la premisa de generar un movimiento de salida e intercambio, donde lo importante es el proceso de desplazamiento en sí mismo, a través del muro. Por un lado, el muro es una construcción que permite dividir o delimitar un espacio. El término suele usarse como sinónimo de pared, muralla o tapia, según el contexto al que se refiera, pero casi siempre se interpreta como un separador, aunque une al tiempo que separa; es decir, un límite de doble sentido.

Si entendemos el muro como la piel de las construcciones (casas, ciudades o espacios), puede definirse como aquello que está en contacto con ambos lados de la realidad, con el interior y el exterior al mismo tiempo. Aquí, el muro es entendido como una membrana porosa y mutante que conecta. Se trata, por tanto, de salir del espacio privado hacia el público a través del muro, del centro al rural, del rural al mundo, del espacio expositivo privado a la calle, de la calle a lo digital, y viceversa, en un continuo flujo donde lo importante es ese “entre”. Para ello, se propone conectar la idea de “muro físico” con el concepto de “muro digital”. Se pretende poner en valor el “no lugar” cuando este se sitúa en la red: la red está en todas partes y así multiplicamos el sentido del “no lugar” y visibilizamos espacios aparentemente sin importancia.

Propongo salir del “lugar-no lugar” hacia lo global, trabajando con el metalenguaje propio del entorno digital y utilizando el metamétodo como propuesta creativa que nos lleve a ir más allá de lo evidente, lo visible, la apariencia. Es decir, traspasar las fronteras, los muros, las coordenadas físicas, digitales y mentales, a partir de la revisión de la imagen y la identidad existente de Vide en el mundo a través de las redes y de Google Maps. Situar a Vide en el mapa. Parto de este pretexto para poner el foco en la complejidad de la visualización global de un entorno local diverso. Por ello, se proponen la mezcla de elementos físicos con herramientas digitales actuales y el uso de la red como recurso creativo para poner a Vide en el mapa global. Se trata de situar, redibujar y modificar la apariencia de la parroquia a través de imágenes, lugares, localizaciones desde lo local hacia la red. Es decir, las intervenciones físicas locales irán acompañadas de actuaciones digitales; el plano físico estará principalmente conectado con el virtual.

Con esta propuesta múltiple de actuación artística se pretende “des-localizar” (nunca mejor dicho) el protagonismo de una sola gran intervención “local”, hacer que perdure en el tiempo y en la memoria gracias a la idea publicitaria de que “la frecuencia es el mensaje” y aprovechar su propia fragmentación para diseminar la información. Con el proyecto “Meta_Muro” se propone así construir otros vínculos entre lo local y lo global viajando extramuros, traspasando los muros.

DOA OA

Sober, Lugo

Dona nació en Sober (Lugo) en 1986. Cursó Fotografía Artística en la Escuela de Arte Superior de Diseño Pablo Picasso de A Coruña y Bellas Artes en el campus de Pontevedra de la Universidad de Vigo, además de estudiar en México y Lisboa. Con formación multidisciplinar, su creación artística se mueve entre la pintura mural, las intervenciones site-specific, las instalaciones con tejidos y audiovisuales, la fotografía de sensaciones y la gráfica de ilustración botánica. Ha participado en residencias de arte pública como Fazunchar (Portugal), Saladina Art Fest (Mallorca), Mural Fest Kosovo+Void projects (Kosovo), Asalto en Alfamén (Zaragoza), Wool (Portugal), Walk & Talk Street Art Festival (Azores, Portugal), Reversible (Rivas-Vaciamadrid, Madrid) y Le Non-Lieu (Roubaix, Francia), entre otras. También ha formado parte de exposiciones como “Cultivar incertezas. Replantear el espacio/Conmocionar la mirada”, del Centro Gallego de Arte Contemporáneo; “Emergency on Planet Earth”, en el Centro del Carme Cultura Contemporánea de Valencia; “Proyectos mil”, del Museo Interactivo de la Historia de Lugo; o “Veraneantes” y “O bosquexo do mundo”, ambas en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo.

www.doaoa.org

Actuación

Título: “Reforestando (chantaxe, camomila, rabo de cabalo, sabugueiro, falsa árnica, valeriana, herba luísa e fiúncho)”

Doa Oa (Sober)

Lugar: una de las fachadas de la Escuela de Vide

Disciplina: intervención mural, pintura

Proyecto:

Es una intervención de pintura mural enmarcada dentro del proyecto “Reforestando”, el cual llevo algunos años desarrollando. La idea de este proyecto surge de la voluntad de renacer espacios a través de la poética del reino vegetal mediante intervenciones en el espacio público de pinturas murales de composiciones botánicas, como retrato de alguna planta que represente o se relacione con el lugar donde se realiza la obra, para así dar visibilidad a la diversidad vegetal, reflejar ejemplos de la memoria sobre el conocimiento y los usos tradicionales de las plantas en diferentes ámbitos (soberanía alimentaria, remedios medicinales, tradiciones religiosas o místicas, decoración, tintes, tejidos, etc.), y también tratar de favorecer la conciencia medioambiental.

La idea desarrollada de pintar un mural en una de las fachadas de la Escuela de Vide nace a raíz de una pequeña investigación sobre la flora silvestre que crece en la zona a través de diferentes conversaciones con algunas vecinas de la parroquia; en ellas se habló de varias plantas que siempre crecieron silvestres en los campos y en los márgenes de los caminos, de las que algunas ya no crecen tanto o no se ven con tanta facilidad, y también de alguna cultivada con especial arraigo. Muchas de ellas se usaban tradicionalmente como remedios medicinales para tratar algunas dolencias, como dolor de estómago, pequeñas heridas o retención de líquidos, entre otras, así como para dormir mejor o para aderezar algunas comidas y mejorar el sabor y la digestión. Inspirada en algunas de esas plantas, creé una composición botánica que representa un poco esa diversidad vegetal silvestre que poco a poco se va perdiendo, que aún está en la memoria de algunas personas, la cual es importante conservar (que normalmente se hace de generación en generación de manera oral), como parte de la diversidad tanto medioambiental como cultural de un territorio. También habla de la relación entre las personas y su entorno, y del paisaje vegetal cambiante, de cómo desaparecen algunas plantas y llegan otras nuevas.

De alguna manera más simple, la imagen también nos lleva a pensar en un paseo por los caminos de Vide, en tener presente la importancia del contacto con la naturaleza y la belleza natural y silvestre que nos rodea, de la que podemos aún disfrutar de una manera tan sencilla que no consume ningún recurso, algo muy importante en la época que estamos viviendo, en la que comenzamos a ver las consecuencias del consumo insostenible. Este mural es un paseo poético entre el lantén, la manzanilla, la cola de caballo, el saúco, el árnica, la valeriana, la hierbaluisa y el hinojo.

CARME NOGUEIRA Y JAVIER FERNÁNDEZ PÉREZ DE LIS

Carme Nogueira

Durante su trayectoria artística ha abarcado desde la crítica corporal hasta el concepto de identidad o la intimidad doméstica con respecto a su posición de género. Actualmente trabaja sobre los procesos de subjetivación y la función normalizadora de los espacios a través de la fotografía y la instalación. En sus últimos trabajos, esta problemática se materializa en una serie de objetos y acciones para el espacio público. La obra de Carme Nogueira forma parte de varios museos españoles, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León o el Centro Gallego de Arte Contemporáneo. Entre sus últimos proyectos es necesario destacar: “Vida Hurdana. Lo que escriben los niños”, presentado en la Bienal de Lalín (2017); “El contrato”, Bilbao (2014); “Una máquina desea instrucciones como un jardín desea disciplina”, Bilbao (2014)-Museo de Arte Contemporánea de Vigo (2013); “Múltiplos de 100”, Instituto de la Cultura y de las Artes de Sevilla (2014); “La ciudad de los aplausos”, Pavillon Vendôme, Centre d’Art Contemporain de la Ville de Clichy, París (2014); “Shrinking Cities”, Edimburgo (2013); y “As tácticas do adversario”, NORMAL, A Coruña (2013).

www.cntxt.org

Javier Fernández Pérez de Lis

La forma en que habitamos y transformamos nuestro territorio es el centro de la investigación fotográfica. Me he formado en fotografía en diferentes lugares, como en la Universidad Politécnica de Valencia, y también realicé su Máster en Fotografía y Arte. Me gradué en Bellas Artes y cuento con el Máster en Educación de la Universidad de Vigo (UVigo). He participado en algunos proyectos expositivos como “Edentity”, del Hotel Maria Kapel en Hoorn (Países Bajos) o “Un recorrido. Paisajes desde el arte actual”, en el Centro Cultural Galileo en Madrid. También he sido seleccionado en distintas convocatorias o premios como el Novos Valores, o Premio Auditorio de Galicia para Jóvenes Artistas ou Outono Fotográfico. Además, he realizado exposiciones individuales en las galerías Dispara (A Estrada), María Pliego (Vigo) y Aka Gallery (Roma). Mi libro Catro ventos fue publicado a finales de 2017 por la editorial Fabulatorio. Actualmente estoy desarrollando el programa de doctorado en Arte Contemporánea de la UVigo, para el cual investigo cómo las subculturas del monopatinaje y del hardcore punk se relacionan con la fotografía del territorio dentro del arte contemporáneo.

Actuación

Título: “Tirar da corda”

Carme Nogueira (Vigo) y Javier Fernández Pérez de Lis (Vigo)

Lugar: pesquera del estrecho

Disciplina: acción colaborativa, fotografía-instalación y archivos sonoros

Proyecto:

El proyecto de Javier Fernández Pérez de Lis y Carme Nogueira para “Mulleres extramuros” se basa en un interés en acercarse a la realidad fronteriza de Vide. La fuerte presencia física del río se construye como frontera (la raya húmeda), pero una permeable que, lejos de separar, une en una historia común ambas orillas del río. Las dos realidades fronterizas se miran como en un espejo, al igual que las pesqueiras se construyen simétricamente casi como puentes. Esa historia común del río nos habla de los cambios de las últimas décadas; cambios que tienen que ver con vivencias muy locales, pero que reflejan derivas globales: el estraperlo en la posguerra, la emigración portuguesa y española, el cambio de mercancías con la independencia de las colonias portuguesas, las políticas hidrográficas y las luchas comunes en contra del embalse y los deseos de puentes físicos de unión… y ahí sigue el río para dar cuenta de todas estas historias. El Miño como testigo fluido de una relación que ayuda a “salir adelante”.

“Tirar da corda” reinterpreta los largos años de intercambio entre Galicia y Portugal. Reviviendo uno de los métodos usados para ese fin, se tirará una cuerda con la ayuda de un cohete desde una pesqueira de Vide para que atraviese el río. Queremos confeccionar una nueva cuerda de forma participativa, hecha de materiales naturales, que pueda llevar las historias escuchadas en el lugar. Dado el carácter efímero de la acción, se instalará un elemento fotográfico en las inmediaciones que recuerde la acción y que sirva como punto de acceso a una pieza sonora. Los materiales de trabajo, las conversaciones y las imágenes fotográficas del proceso podrán también estar disponibles en una pequeña publicación.

LUCÍA LOREN

Madrid

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (1997), Lucía Loren ha obtenido varios premios que le han permitido participar en proyectos de investigación artística, entre ellos: la beca Erasmus, “Accademia di Belle Arti” Bolonia, Italia (1997); la  beca de convenios internacionales de la Facultad de Artes, de la Universidad Nacional de Tucumán, Argentina (1999); la beca del Ministerio de Asuntos Exteriores, “Accademia dice Belle Arti”, Bolonia, Italia, (2000); y  el Premio Artes Plásticas, de la Consejería de Cultura  y Deportes de la Comunidad de Madrid (2003). En estos últimos años las relaciones de intercambio del ser humano con el entorno y el paisaje que se conforma son el tema principal de reflexión de su trabajo. Esta vinculación con el paisaje ha inspirado las intervenciones específicas que ha realizado en diversos entornos naturales: Reserva biológica Horcomolle, Tucumán (Argentina); I poetti fanno la cittá, Bolonia (Italia), Oltre il Giardino, Sano Mauro Pascoli (Italia), Parque de Esculturas Lomos de Oro, Villoslada de Cameros (La Rioja); Arte en la tierra, Santa Lucía de Ocón (La Rioja); El bosque hueco, Puebla de la Sierra  (Madrid); Naturalmente artificial, Museo de Arte Contemporánea Esteban Vicente (Segovia); Un camino entre el arte y el medio rural, Valdemanco, Mancomunidad de Servicios Culturales (Madrid); “IV muestra de teatro de calle de la Sierra Norte”; ARTifariti, III Encuentros Internacionales de Arte en territorios liberados del Sáhara Occidental; Camino de las raíces, La Alberca (Salamanca). En todas estas intervenciones utiliza los elementos del paisaje para realizar pequeñas variaciones que reflexionan sobre el propio concepto de paisaje cultural. En muchas ocasiones el proceso de trabajo se convierte en un espacio abierto a la participación de la población local del lugar, lo cual genera un intercambio de experiencias y conocimientos entre proceso artístico y la población rural.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas “Campo adentro. Arte, agriculturas & medio rural”, La Casa Encendida y Madialab (Madrid); Centro Cultural Montehermoso Kulturunea (Vitoria-Gasteiz); Museo de Arte Contemporánea Esteban Vicente (Segovia); Círculo de Bellas Artes (Madrid); Centro Riojano de Logroño (La Rioja) ; Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro de Tucumán (Argentina); Palacio de La Mosquera (Arenas de San Pedro , Araba); mirador de Berzosa del Lozoya  (Madrid); Centro de Artes Plásticas (Las Palmas de Gran Canaria); “Tentaciones” en ESTAMPA Feria Internacional de Grabado Contemporáneo (Madrid); Jardín Botánico José Celestino Mutis (Bogotá, Colombia).

www.lucialoren.com

Actuación

Lucía Loren (Madrid)

Lugar: lagar de vino, barrio de Loureiro, Vide

Disciplina: escultura instalación, con cestería contemporánea y esgrafiado

Proyecto:

Esta propuesta de intervención artística, diseñada específicamente para las ruinas de un lagar en la parroquia de Vide (As Neves), propone una reflexión sobre el paisaje cultural de los viñedos. Dentro de esta cultura ancestral, el lagar (cuya etimología proviene de “lago”) ocupa un lugar central, ya que en su cuba primitiva se depositan los frutos de la vid para pisarlos y extraer el líquido para su consumo. El potencial alegórico de este emplazamiento como espacio para la transformación rescata el simbolismo de este sitio asociado a rituales de sacrificio (vino/color sangre) y fecundidad (carácter frutal). La simbología de la vid ha estado presente en numerosas culturas, Mircea Eliade cita a la diosa madre “Diosa Cepa de la Vid”, fuente natural de creación natural. Por ello, este proyecto se articula en torno a la creación de unas piezas escultóricas ovoidales tejidas con mimbre, repletas de piedras y vides jóvenes en su interior, que conforman refugios de protección para los polinizadores y controladores de plagas naturales, que se ven gravemente afectados por el aumento de los tratamientos químicos en los cultivos de vid. Entre las piedras de las paredes de las ruinas del lagar, también quedan insertadas cañas huecas pintadas con colores para atraer a más polinizadores. Las técnicas tradicionales utilizadas se vinculan con la cultura popular local, reivindicando su uso y su memoria. Entre ellas se encuentran el tejido de mimbre, que nos recuerda a los cestos de la vendimia con los que se acarreaba la uva desde los campos hasta el lagar, y el esgrafiado con mortero de cal y pigmentos minerales de los revestimientos exteriores de las construcciones. Esta propuesta se realizó gracias a un proceso participativo con la población local, que colaboró generosamente en la realización de la pieza a partir de una experiencia de cestería creativa y elaboración de refugios para polinizadores. También participó en el proyecto la paisajista y artesana Carol Carrot en la realización del esgrafiado en las paredes del lagar y la bióloga Seyla Gil Barbeitos, en el estudio de la entomofauna y las plantas nutricias.

Vecinas y vecinos participantes:

Digna Pedrosa Costa

Generosa Alonso Castro “Nosa”

Encarnita Alonso Castro

Mari Carmen Fernández Santos

Lucía Costa Rodríguez

Antonio González Durán

Antonio Alcántara Paz

Angustia Pedrosa Costa

Celeste Pedrosa Costa

Norberto Xeraldes

Natividad Durán Pedrosa “Nati”

Gabriel Durán Pedrosa

Juan Carlos Rodrigues Duran

Herminio Durán Vilanova

Nuria Ferreiro Amoedo

IVA VIANA

Viana do Castelo

Iva Viana nació en Viana do Castelo en 1980. Se graduó en Bellas Artes, en la especialidad de Escultura, en la Facultad de Bellas Artes de Oporto (Portugal).

Entre 2003 y 2004 pasó una estancia en la Academia de Bellas Artes de Cracovia (Polonia), donde asistió a clases de cerámica, piedra y tecnología multimedia. En 2007 inició su actividad como técnica de escultura en una empresa internacional, especializada en yesos ornamentales, y en 2009 realizó unas prácticas con el escultor Pierre Merlin, en Nîmes (Francia). También estuvo en Mozambique y en Brasil como parte de un programa de intercambio artístico. Su cartera artística incluye, entre otros, trabajos específicos como paneles de yeso y cerámica, creados para los hoteles Four Seasons, en Londres, y Shangri-La, en París.

Desde comienzos de 2013 compagina sus trabajos anteriores con proyectos personales en su propio taller.

www.ivavianaescultura.com/en/

Actuación

Título: “A história do Carvalhal”

Iva Viana (Viana do Castelo)

Lugar: lavadero del barrio de Miranciños

Disciplina: escultura-instalación

Proyecto:

Durante el recorrido colectivo, Iva se vio fascinada por este lavadero. Le interesaba este lugar como punto de trabajo colaborativo, especialmente de las mujeres, y cómo los lavaderos servían de espacios seguros donde estas se encontraban, hablaban y compartían historias desde esos pequeños momentos de libertad. Por otra parte, sabía que quería trabajar con la hoja de roble a modo de homenaje, partiendo de otra historia que allí le contaron: el año pasado, cuando los incendios asolaron parte de este territorio, la gente permanecía en sus casas para preservarlas y solo salió para proteger la Carballeira cuando este lugar mágico se vio amenazado. Iva se sintió impresionada con el poder simbólico de la Carballeira para provocar la fuerza y la unión de un pueblo, y hacer emerger un sentimiento de pertenencia y de comunidad entorno a un grupito de árboles. Así, su propuesta consiste, desde un enfoque feminista y como un homenaje a la memoria del lugar y de las mujeres, en el recubrimiento del techo interior del lavadero de “hojas de roble” en su habitual forma de moldear y crear figuras.

As Lembranzas

As Lembranzas (Merchi, Vanessa y Paula) son tres mujeres de una misma familia; son voz, son tierra, son tradición recibida de un matriarcado que siempre ha usado el canto y la música para evadir la dureza de la vida o simplemente transmitirla; son fuerza, unidad y pasión. En 2019 sacan su primer trabajo Gaëla, que las lleva de gira por Suiza, Bélgica, Alemania y Holanda. Hacen música fusión folk y tradicional gallega.

Bolboreta es su nuevo sencillo, donde fusionan la música electrónica con ritmos tribales de los tambores de guerra japoneses, los taiko, para destacar la batalla que se libra en la canción. En este nuevo trabajo siguen jugando con la polifonía sin olvidar la presencia de nuestra tierra con la intervención de la pandereta tradicional. Bolboreta pretende visibilizar la presión de una sociedad indolente y discriminante sobre toda persona que sea diferente en su manera de ser o existir. Además, resalta el valor y la fuerza de las mujeres en la superación de todas las trabas a las que se enfrentan a diario. Metamorfosis resplandeciente.